A Young Knight Travel

Pinturas (VIII): escenas mitológicas

2012-01-25T10:00:00.001+01:00

Como estos días no tengo mucho tiempo para hacer una entrada más elaborada, actualizo con un pequeño recopilatorio de pinturas mitológicas.

Frederic Leighton
The Daphnephoria (1876)
[Lady Lever Art Gallery]

Herbert James Draper
Ulises y las sirenas (1909)
[Ferens Art Gallery, Kingston-Upon-Hull]

Il Domenichino
Diana cazando (1617)
[Galería Borghese, Roma]

Jacques-Louis David
La despedida de Telémaco y Eucárides (1918)
[Paul Getty Museum, L.A.]

Luca Giordano
Perseus turning Phineas and his Followers to Stone (1670)
[National Gallery, Londres]

Nicolas Poussin
Blind Orion Searching for the Rising Sun (1658)
[Metropolitan]

Rubens
Perseus Freeing Andromeda (1622)
[Staatliche Museen, Berlín]

Tiziano
Venus y Adonis (1554)
[El Prado]

Veronese
El rapto de Europa (1588)
[National Gallery, Londres]

Exposiciones temporales actuales (VIII)

2012-01-20T11:51:00.002+01:00

Comenzamos el año haciendo un repaso por algunas exposiciones de la temporada pasada, algunas de las cuales cerrarán pronto sus puertas. Disculpad el retraso en la actualización, pero es que últimamente voy muy justa de tiempo. Espero poder ampliar la información próximamente.

Fundació Miró (Barcelona)
Joan Miró. La escalera de la evasión
16 de octubre de 2011 - 18 de marzo de 2012

La exposición, organizada conjuntamente por la Tate Modern de Londres y la Fundació Joan Miró de Barcelona, reúne más de ciento cincuenta obras del artista y demuestra que su tendencia al aislamiento contemplativo iba acompañada de una respuesta coherente frente a los acontecimientos. Miró vivió unos tiempos turbulentos y no fue inmune a sus efectos. A pesar de su instinto para alejarse de ellos, admitía que "no hay ninguna torre de marfil" y que "la escalera de la evasión" debe estar arraigada en la realidada para conducir a la creatividad. La exposición examina aquellos momentos en la dilatada trayectoria de Miró que ponen de manifiesto el compromiso del artista con su tiempo. Las primeras salas, donde destacan pinturas como La Masía (1921-1922) y Paisaje Catalán (El cazador) (1923-1924), exploran los vínculos con su Cataluña natal, especialmente con Mont-roig -donde su familia tenía una masía-, así como la inflexión que supuso su estancia en París y la liberación creativa del surrealismo. En la sección central, el drama de la Guerra Civil española se refleja en el nuevo lenguaje pictórico del artista, con obras como Naturaleza muerta del zapato viejo (1937) y la serie de las Constelaciones (1940-1941). La última sección examina los años finales de la dictadura franquista, cuando la ambición de Miró por realizar pinturas monumentales de gran impacto contemplativo -entre ellas el tríptico Azul I, II, III (1961)- se contrapone a su conciencia del poder rompedor de medios pictóricos más violentos, como el que muestran sus telas Telas quemadas (1973).

CaixaForum (Barcelona)
Impresionistas: Maestros franceses de la colección Clark
17 de noviembre de 2011 - 12 de febrero de 2012

La exposición reúne un conjunto excepcional de pintura francesa del siglo XIX y comienzos del XX, procedente de la colección de Sterling and Francine Clark. Sterling Clark reunió la mayor parte de su colección en París, en los primeros años de la década del siglo XX, por el placer de estar rodeado de las grandes creaciones de su tiempo. Concibió su colección a escala doméstica: las obras formaban parte del entorno cotidiano y se distribuían por la casa siguiendo las preferencias del coleccionista, que combinaba piezas de diferentes periodos y estilos. Clark buscaba la continuidad entre las creaciones del pasado y del presente, desde una perspectiva que hoy podemos sentir como muy cercana.Las obras que adquirió, principalmente de la primera etapa del impresionismo, convivían con los antiguos maestros y también con la pintura inmediatamente anterior, sin rupturas. En la muestra, encontramos a los pintores realistas de la escuela de Barbizon –Corot, Millet, Rousseau– junto con los grandes maestros del impresionismo: Sisley, Pissarro, Manet, Monet, Degas y, sobre todo, Renoir, que fue el primer impresionista de la colección Clark.Sterling Clark convirtió su pasión personal en un patrimonio colectivo y en 1955 creó su propio museo en Williamstown, en el estado de Massachusetts. La exposición revive el esplendor del novecientos –cuando París era la capital de la pintura– y nos acerca a algunos de sus artistas más destacados, como Renoir, que tiene una presencia muy importante en la colección Clark y en esta exposición.

Museo Thyssen-Bornemisza
Berthe Morisot: La pintora impresionista
15 de noviembre de 2011 - 12 de febrero de 2012

Berthe Morisot (Bourges, 1841-París, 1895), fue la primera mujer que se unió al movimiento impresionista. Nacida en el seno de una familia de la alta burguesía francesa, fue educada en el gusto por las artes y la música y supo combinar de manera ejemplar la faceta artística con su papel de mujer moderna y activa animadora cultural. Modelo y amiga de Manet, casada con su hermano Eugène, aliada de los pintores impresionistas -como Degas, Renoir, Monet o Pissarro-, con quienes expuso en prácticamente todas sus exposiciones, y admirada por intelectuales de la talla de Mallarmé o Valéry, Morisot jugó un papel destacado y esencial en el desarrollo del impresionismo francés. La exposición Berthe Morisot. La pintora impresionista, que presenta una selección de obras, en su mayor parte pertenecientes al Musée Marmottan Monet de París, es la primera monográfica que se le dedica en España. Tanto la delicadeza del paisaje, que le enseñó Corot, como la maestría de sus retratos, que aprendió de Manet, o la representación impresionista de jardines, escenas rurales e interiores domésticos, permiten conocer los aspectos más destacados de su obra pictórica. Con una pintura introspectiva, incluso melancólica, de trazos rápidos, que a veces adquieren la ligereza de la acuarela, Morisot nos introduce de lleno en su propia intimidad, en la delicada exploración de la femineidad. La representación del mundo íntimo femenino fue un asunto tan permanente en su obra que el escritor Paul Valéry afirmaba que su pintura podría considerarse «el diario de una mujer expresado a través del color y el dibujo».

El Prado
El Hermitage en el Prado
8 de noviembre de 2011 - 25 de marzo de 2012

El Hermitage en el Prado, muestra a través de ciento veinte obras la gran variedad y riqueza de las colecciones del museo ruso -desde el siglo V a.C. hasta el siglo XX, pasando por sobresalientes piezas de arqueología, artes decorativas y los magníficos fondos de pintura, escultura y dibujo- que hacen de él uno de los primeros centros de arte del mundo. La exposición, organizada por el Museo del Prado, Acción Cultural Española (AC/E) y el propio State Hermitage Museum, con el patrocinio de la Fundación BBVA, constituye una ocasión única y extraordinaria al tratarse de la primera vez que se muestra fuera del Hermitage una selección tan importante y numerosa de obras de sus excepcionales colecciones. Compuesta por casi noventa obras de las célebres colecciones de pintura, dibujo y escultura del museo ruso, junto a una cantidad similar de piezas correspondientes a sus extensas e incomparables colecciones arqueológicas y de artes decorativas, además de trajes de época y mobiliario, la exposición El Hermitage en el Prado completa el intercambio de colecciones sin precedentes acordado entre los dos grandes museos, español y ruso.

National Gallery (Londres)
Leonardo da Vinci: Painter at the court of Milan
9 de noviembre de 2011 - 5 de febrero de 2012

‘Leonardo da Vinci: Painter at the Court of Milan’ is the most complete display of Leonardo’s rare surviving paintings ever held. This unprecedented exhibition –the first of its kind anywhere in the world– brings together sensational international loans never before seen in the UK. While numerous exhibitions have looked at Leonardo da Vinci as an inventor, scientist or draughtsman, this is the first to be dedicated to his aims and techniques as a painter. Inspired by the recently restored National Gallery painting, The Virgin of the Rocks, this exhibition focuses on Leonardo as an artist. In particular it concentrates on the work he produced as court painter to Duke Lodovico Sforza in Milan in the late 1480s and 1490s. As a painter, Leonardo aimed to convince viewers of the reality of what they were seeing while still aspiring to create ideals of beauty – particularly in his exquisite portraits – and, in his religious works, to convey a sense of awe-inspiring mystery.

Birmingham Museum
Ten Drawings by Leonardo da Vinci: A Diamond Jubilee Celebration
13 de enero de 2012 - 25 de marzo de 2012

To celebrate the Diamond Jubilee of Her Majesty The Queen, ten of the Royal Collection’s finest drawings by the Renaissance master Leonardo da Vinci will travel to five museums and galleries across the United Kingdom. Birmingham Museum and Art Gallery is the first UK venue to show this exhibition. The exhibition has been selected to show the extraordinary scope of Leonardo’s interests –painting and sculpture, engineering, botany, mapmaking, hydraulics and anatomy –and his use of different media –pen and ink, red and black chalks, and metalpoint. Through drawing Leonardo attempted to record and understand the world around him. He maintained that an image transmitted knowledge more accurately and concisely than any words, although some of his drawings are extensively annotated. Leonardo was left-handed, and throughout his life he habitually wrote his personal notes in mirror-image from right to left (although he wrote in the conventional manner when the text was intended for some other reader). This was not an attempt to keep his investigations secret, as has been claimed, but probably a childhood trick that he never abandoned.

Tate Liverpool
Alice in Wonderland
4 de noviembre de 2011 - 29 de enero de 2012

Alice in Wonderland will offer visitors a rare opportunity to view Carroll’s own drawings and photographs, alongside Victorian Alice memorabilia and John Tenniel’s preliminary drawings for the first edition of the novel. Carroll’s stories were soon adopted by other artists. Surrealist artists from the 1930s onwards were drawn towards the fantastical world of Wonderland where natural laws were suspended. From the 1960s through the 1970s, Carroll’s Alice tales also prompted conceptual artists to explore language and its relationship to perception, and the stories inspired further responses in Pop and Psychedelic art. Expect to see works by artists ranging from Salvador Dalí and René Magritte, to Peter Blake and Yayoi Kusama.

Metropolitan (Nueva York)
The Renaissance Portrait from Donatello to Bellini
21 de diciembre de 2011 - 18 de marzo de 2012

It has been said that the Renaissance witnessed the rediscovery of the individual. In keeping with this notion, early Renaissance Italy also hosted the first great age of portraiture in Europe. Portraiture assumed a new importance, whether it was to record the features of a family member for future generations, celebrate a prince or warrior, extol the beauty of a woman, or make possible the exchange of a likeness among friends. This exhibition will bring together approximately 160 works—by artists including Donatello, Filippo Lippi, Botticelli, Verrocchio, Ghirlandaio, Pisanello, Mantegna, Giovanni Bellini, and Antonello da Messina, and in media ranging from painting and manuscript illumination to marble sculpture and bronze medals, testifying to the new vogue for and uses of portraiture in fifteenth-century Italy.Featuring many rare international loans, this exhibition will present an unprecedented survey of the period and provide new research and insight into the early history of portraiture. It will be divided into three sections and will span a period of eight decades. Beginning in Florence, where independent portraits first appeared in abundance, it moves to the courts of Ferrara, Mantua, Bologna, Milan, Urbino, Naples and papal Rome, and ends in Venice, where a tradition of portraiture asserted itself surprisingly late in the century.

Hermitage (San Petersburgo)
Pool in a Harem and Other Works by Jean-Léon Gérôme in the Hermitage
2 de noviembre de 2011 - 5 de febrero de 2012

Pool in a Harem was painted in 1875 by order of the great prince Alexander Alexandrovich (the future emperor Alexander III) and was on display at the 1876 Salon under the name Turkish Women at Bath; later, it was one of the works of art that made up a continuous exhibition of French painting of the 19th century. On March 22nd, 2001, the painting was barbarically ripped from its frame and stolen from the halls of the State Hermitage Museum. In December 2006, it was found in Moscow, and on January 29th, 2007, it was returned to the Hermitage. In addition to Pool in a Harem, other works by this author which are being preserved in the Hermitage will be presented. The following paintings will be on display: Duel after a Masquerade Ball (1867), General Bonaparte with His Military Staff in Egypt (sketch, 1863), Slave Auction (1884), an engraving from the picture Duel after a Masquerade Ball (1869), presented the first version of the theme of Duel after a Masquerade Ball, (Musee Conde in Chantilly, and two works of sculpture Bacchante (1897), and Plaudite, Cives!, (1898), depicting a gladiator beside a lion he has killed in the arena.

Hermitage (San Petersburgo)

Ruins, Palaces and Prisons. Giovanni Battista Piranesi and Italian Eighteenth-Century Architectural Fantasies

7 de diciembre de 2011 - 25 de marzo de 2012

This exhibition, presenting about 100 drawings and prints from the collection of the Hermitage, is divided into two parts: the first is dedicated to Piranesi and will present the series entitled Prima Parte ("Prima Parte"), Grotteschi ("Grotesques") and Carceri ("Dungeons") in their rare original condition, which have never been published in Russia before. All of them are from the 1750 album Opere Varie, which was acquired by the Empress Catherine the Great in 1768 as part of the collection of Count Bruhl and became the basis of the graphic arts collection of the Hermitage. The Carceri is presented in two conditions; the early one, from the Bruhl collection, and a later one which was extensively revised. This is the first time this sort of juxtaposition has been presented in Russia. The second part consist of drawings by Italian artists of the 18th century who worked as scene decorators, designers and architects and created the unique genre of imaginative Veduta, which is important for understanding the style of the settecento, as the 18th century is called in Italian, a unique and complex phenomenon. Imaginative Veduta is represented by the work of the Galli Bibiena family, G. Valeriani, Pietro Gonzaga, G. Barbari, G. Mannocchi, many of which are being published for the first time. The phenomenon of Piranesi' early fantasies is put in the context of a unique genre, and is examined at this exhibit as original sources, as is the influence of the Piranesi phenomenon on the later development of imaginative Veduta.

Pinturas (VII): Invierno

2011-12-24T20:35:00.001+01:00

Para ilustrar (y acompañar) un poco estos días navideños, he recopilado algunas pinturas del siglo XIX, cuyo tema principal es el paisaje invernal. Espero que os gusten tanto como a mí.

¡Felices fiestas!

Caillebotte
Boulevard Haussmann, Snow (1880)

Childe Hassam
Boston common at twilight (1886)

Courbet
Cliffs by the sea in the snow (1870)

Eduard Gaertner
Berlin, Gendarmenmarkt im Winter (1857)

Caspar David Friedrich
Hünengrab im Schnee (1807)

Luigi Loir
Paris with Snow (1889)

Monet
Magpie (1869)

Monet
Snow at Argenteuil (1874)

Norbert Goeneutte
The Boulevard de Clichy under snow (1876)

Paul Fischer
A Winter's Day on Kongens Nytorv Copenhagen (1888)

Pissarro
Street in the Snow, Louveciennes (1872)

Pissarro
Boulevard Montmartre. Winter Morning (1897)

Princesas, de Eduard von Keyserling

2011-12-18T16:04:00.003+01:00

Ya está disponible en La Espada en la Tinta mi nueva reseña. Esta vez toca otra historia de época, ambientada en la Alemania de principios del siglo XX, de Eduard von Keyserling -del que ya reseñé en su día "Un ardiente verano"-:

Las apariencias engañan, para bien o para mal. O al menos eso dicen. Conservarlas entre la aristocracia decimonónica era fundamental para su supervivencia. Su comportamiento ante la sociedad, e incluso en su propia casa, se basaba en un estricto código moral que acarreaba graves consecuencias si se tenía la osadía de quebrantar. Una de ellas era, por supuesto, el aislamiento del círculo privilegiado de la nobleza; la renuncia, el abandono y la humillación ante sus semejantes. Bien lo sabía nuestro autor, Eduard von Keyserling (1855-1918), miembro de una antigua e ilustre familia alemana del Báltico. Y conocía también, como intelectual y escritor, lo que ocurría a principios del siglo XX: esos códigos de conducta, esas viejas reglas aristocráticas, empezaban a estar ya caducas. Las transformaciones sociales y tecnológicas que tuvieron lugar en la sociedad de mediados del siglo anterior, penetraron intensamente en el antiguo orden.
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Anotaciones sobre la pintura de paisaje

2011-12-16T11:12:00.003+01:00

Estos días estoy leyendo "Cartas y anotaciones sobre la pintura de paisaje", del médico y pintor alemán Carl Gustav Carus (1789-1869). Por su formación, Carus expone sus ideas básicas sobre el paisajismo pictórico: la relación entre arte y ciencia, entre el hombre y la Naturaleza. Evidentemente, estos conceptos nos llevan a hablar directamente de la pintura de paisaje del Romanticismo, donde gustaba de representar al individuo rodeado de una naturaleza eterna e ilimitada. Ésto podemos verlo, sobre todo, en las pinturas de Caspar David Friedrich, del cual Carus era un gran admirador y amigo. No sólo se nota en sus pinturas, muy influenciadas por él, sino también en sus escritos, impregnados totalmente de la estética romántica. En un bellísimo pasaje del libro, que ahora mismo paso a reproduciros, describe poéticamente esa sensación de inmensidad que el hombre siente al encontrarse de lleno con la Naturaleza. Y es que para los románticos alemanes, la Naturaleza tenía un carácter místico y religioso; sagrado. Al leer ese fragmento, no pude dejar de evocar la ya tan conocida "Caminante sobre un mar de niebla" (1818), de Caspar David Friedrich, cuyas pinturas no pueden entenderse sin conocer ese carácter simbólico-religioso impregnado en el paisaje:

"Tan sólo lo que nos toque directamente, lo que esté estrechamente vinculado a nosotros, puede en sus mudanzas excitarnos con la mayor energía, y colmarnos de ansia o de odio; sin embargo en la Naturaleza libre, que nos parece como completamente objetiva, advertimos más bien una vida volcada sobre sí misma, calmada, regular. La mudanza de los días y las estaciones, el cortejo de las nubes y el fasto de colores de los cielos, el flujo y el reflujo de la mar, la lenta pero imparable transformación de la superficie terrestre, la erosión de las desnudas cimas de los montes cuyos granos producen al disolverse tierra fértil, el brotar de las fuentes que siguen los trazos de las montañas y acaban por confluir en arroyos y corrientes, todo sigue leyes eternas y calladas a cuyo imperio también nosotros estamos sometidos, cierto, que nos arrastran consigo pese a toda resistencia y que, sin duda, al forzarnos con un secreto poder a dirigir la mirada a una esfera enorme, gigantesca, de sucesos naturales, nos apartan de nosotros mismos haciéndonos sentir nuestra pequeñez y debilidad, pero cuya contemplación, no obstante, dulcifica al mismo tiempo las tormentas interiores y ha de surtir por fuerza un efecto apaciguador. Sube a la cumbre de la montaña, mira las largas hileras de las colinas, contempla el discurrir de los ríos y toda la magnificencia que se abre a tu mirada, ¿y qué sentimiento se apodera de ti? Es un tranquilo recogimiento, te pierdes a ti mismo en espacios ilimitados y todo tu ser se aclara y se purifica apaciblemente, tu yo se esfuma, tú no eres nada, Dios es todo".

Carl Gustav Carus: "Cartas y anotaciones sobre la pintura de paisaje. Diez cartas sobre la pintura de paisaje con doce suplementos y una carta de Goethe a modo de introducción". Madrid, Visor (La balsa de la Medusa, 54), 1992, pp.70-71.

Edward Burne-Jones: El último sueño de Arturo en Avalon

2011-12-01T10:50:00.002+01:00

Como a todos los pintores prerrafaelitas, a Edward Burne-Jones (1833-1898) también le fascinaba la leyenda del rey Arturo y los temas míticos. "El último sueño de Arturo en Avalon" es una buena muestra de ello. Tardó diecisiete años en terminarla. Encargada en 1881 por el noveno conde de Carlisle, George Howard, para decorar la biblioteca del castillo de Naworth, mostraba a Arturo en su lecho de muerte, en la imaginaria isla de Avalon, rodeado de Morgana y de otras mujeres o hadas que velaban por él. Burne-Jones estaba obsesionado con ella: se dice que incluso dormía en la misma postura que Arturo, y trabajó y retocó su pintura hasta el último día de su muerte. Con un estilo esteticista y de formas alargadas de gran belleza, influyó decisivamente en los simbolistas de finales de siglo. No hay duda de que se trata de su gran obra maestra.

Edward Burne-Jones
The Last Sleep of Arthur in Avalon (1881-1898)
[Ponce Museum of Art, Puerto Rico]

Entonces sir Bedevere tomó al rey sobre su espalda, y fue con él a aquella playa. Y cuando estuvieron en la playa, cerca de la orilla estaba detenida una pequeña barca con muchas hermosas damas dentro, y entre ellas había una reina, y todas llevaban caperuzas negras; y comenzaron a llorar y a plañir cuando vieron al rey Arturo.
-Ahora ponme dentro de la barca -dijo el rey.
Así lo hizo él suavemente; y allí le recibieron tres reinas entre grandes gemidos; lo sentaron, y en uno de sus regazos posó el rey la cabeza. Y entonces dijo dicha reina:
-¡Ah, querido hermano!, ¿por qué habéis tardado tanto tiempo en venir a mí? ¡Ay, harto se ha enfriado esta herida de vuestra cabeza!
Y se apartaron remando de tierra, y sir Bedevere contempló cómo se alejaban todas estas damas. Entonces gritó sir Bedevere:
-¡Ah, mi señor Arturo, qué será de mí, ahora que os vais y me dejáis aquí solo entre mis enemigos? -Ten ánimo -dijo el rey-, y pórtate lo mejor que puedas, pues en mí no queda confianza en qué fiar; pues voy al valle de Avalón a sanarme de mi grave herida; y si no oyes hablar nunca más de mí, reza por mi alma.

Sir Thomas Malory
La muerte de Arturo
(Siglo XV)

Impresionistas: maestros franceses de la colección Clark

2011-11-23T10:17:00.066+01:00

Si hace algunos años me hubieseis preguntado cuál era uno de mis movimientos pictóricos favoritos, sin duda no os habría dicho el impresionismo. También es cierto que aún estaba definiendo mis preferencias, y no tenía muy claro qué era lo que me gustaba realmente. No sé cómo fue que empezó a llamarme la atención uno de sus miembros más importantes: Claude Monet. A partir de ahí, al contemplar sus paisajes, tan luminosos y coloridos, tuve la sensación de que aquello se convirtiría casi en una pasión. Y así fue. Pero no sólo lo sentí por el pintor de Giverny, sino también por aquellos que le ayudaron a transformar la pintura a mediados del siglo XIX: Manet, Renoir, Sisley, Pissarro, Degas... y por aquellos que le influenciaron en sus inicios: Jongkind, Boudin y los miembros de la escuela de Barbizon, como Corot, Rousseau o Troyon.

Todos ellos tienen su representación en la exposición "Impresionistas: Maestros franceses de la colección Clark", que estos meses tiene lugar en el Caixaforum de Barcelona (del 17 de noviembre de 2011 al 12 de febrero de 2012) y que ha sido realizada conjuntamente con el Sterling and Francine Clark Art Institute (Williamstown, Massachusetts). Para ilustrar mejor lo que podéis encontraros en ella, os copio la descripción del folleto informativo -resume muy bien el contenido de la exposición-. Si tenéis oportunidad de verla, no os la perdáis. A mí me ha parecido magnífica.

Théodore Rousseau - Granja en las Landas (1867)
Corot - Castel Sant'Angelo (1840)

"En abril de 1874, se celebró en el estudio del fotógrafo Nadar, en el Boulevard des Capucines de París, la primera exposición de un grupo de pintores que habían sido rechazados en el Salón Oficial: los impresionistas. El arte europeo entraba en una etapa marcada por una serie de cambios vertiginosos que, en pocos años, llevaron a prescindir de la apariencia, los colores naturales, el tema y la perspectiva, los elementos que, des de el Renacimiento, habían caracterizado la representación pictórica.

Cuando Sterling Clark se instaló en París, en 1910, algunos de los protagonistas de esta revolución pictórica aún estaban en activo. El 1916, Clark adquirió el cuadro "Joven haciendo ganchillo" de Auguste Renoir, atraído por el uso del color y la sensualidad de la imagen femenina. Fue el punto culminante de una pasión que le condujo a reunir una extraordinaria colección de obras de pintura francesa del paso del siglo XIX al XX: Clark no compartía el espíritu iconoclasta propio de muchas de las manifestaciones del arte contemporáneo, sino todo lo contrario, buscaba la continuidad entre las creaciones del pasado y del presente. Las obras que adquirió, principalmente de la primera etapa del impresionismo, convivían con los antiguos maestros y también con la pintura inmediatamente anterior, sin rupturas.

Corot - Bañistas en las islas Borromean (1870)
Monet - Calle de Sainte-Adresse (1867)

Pissarro - Saint-Charles, Éragny (1891)
Monet - Ocas en el arroyo (1874)

Monet
Acantilados en Étretat (1885)
Campos de tulipanes en Sassenheim (1886)

Pissarro
Camino a Versalles en Louveciennes (1870)
Camino. Efecto de lluvia (1870)

Renoir
Bahía de Nápoles, anochecer (1881)

El puente de Chatou (1875)

Esta exposición presenta las obras maestras de la colección de pintura francesa del Sterling and Francine Clark Art Institute, de Williamstown, Massachusetts. Para empezar, reconstruye el camino que condujo al impresionismo, cuando un grupo de pintores -Camille Corot, Jean-François Millet, Constant Troyon y Théodore Rousseau- decidieron retirarse al bosque de Barbizon, cerca de Fontainebleau, para poder pintar al aire libre. Tradicionalmente, el paisaje había sido el telón de fondo de escenas mitológicas o religiosas. Los artistas de la escuela de Barbizon lo hicieron pasar a un primer plano y establecieron una relación de intimidad con él, como si se quisieran fundir con la naturaleza.

Renoir - Venecia, el Palacio Ducal (1881)
Degas - Antes de la carrera (1882)

Daumier - Los coleccionistas (1863)
Sisley - Orillas del río Sena en By (1881)

Degas - Bailarinas en clase (1880)

Los impresionistas siguieron rápidamente sus pasos. Las primeras composiciones de Claude Monet, Gustave Caillebotte o Alfred Sisley aspiran a retener la impresión de un momento del día, de forma magnificente y suntuosa, a través de los efectos de la luz y del color. Hacia 1880, el impresionismo vive un momento de plenitud con la obra de Monet, quien lleva hasta las últimas consecuencias la búsqueda de la belleza. El cuadro es el resultado de la superposición de pinceladas individuales que crean el efecto de una explosión de luz; el punto de fuga desaparece y el paisaje se convierte en el objeto de una meditación trascendente. Los impresionistas también renovaron la pintura de interior y el bodegón. Escogieron temas sencillos vinculados a la vida cotidiana, al campo o a la ciudad y los retrataron como nadie lo había hecho hasta entonces: con una pincelada vibrante que recrea el efecto de la luz natural sobre la superficie de las cosas.

Giovanni Boldini
Muchacha haciendo ganchillo (1875)
Al cruzar la calle (1875)

Alfred Stevens
Recuerdos y remordimientos (1874)
La duquesa (El vestido azul) (1866)

Sisley - Cesto con manzanas y uvas (1881)
Morisot - Dalias (1876)

Renoir - Cebollas (1881)

Renoir fue la gran pasión de Sterling Clark, quien reunió treinta y nueve pinturas de este artista -desnudos, escenas de la vida moderna, retratos, autorretratos, paisajes y naturalezas muertas-, dedicando una especial atención a la primera etapa de su producción, entre 1874 y 1880, la más vinculada al impresionismo. Todas estas búsquedas conviven con el arte de los pintores académicos, quienes ponían sobre la tela temas convencionales: obras históricas, religiosas, mitológicas y retratos de personajes importantes. Para Sterling Clark, cualquier arte podía ser bueno en su categoría. Por eso, en su colección, las obras maestras de los pintores impresionistas conviven con las obras de los mejores pintores formados en la Academia de Bellas Artes de París.

Bouguereau - Desnudo sentado (1884)
Jean-Léon Gérôme - Mercado de esclavos (1866)

Jean-Léon Gérôme
Encantador de serpientes (1879)
Campesinas egipcias recogiendo agua (1875)

Renoir
Palco en el teatro (En el concierto) (1880)
Marie-Thérèse Durand-Ruel cosiendo (1882)

Renoir - La carta (1900)

En la parte final del recorrido se pone de relieve la aportación de los pintores postimpresionistas: de Honoré Daumier a Henry Toulouse-Lautrec, de Edgar Degas a Pierre Bonnard y Paul Gauguin. Colores claros y luminosos, que no siempre coinciden con los colores reales, y una concepción bidimensional del espacio al margen de las leyes de la perspectiva. Sterling Clark convirtió su pasión personal en un patrimonio colectivo. En 1955, creó su propio museo en Williamstown, en el estado de Massachusetts, que actualmente es un centro de referencia para los amantes de la pintura, con salas de exposiciones y centro de investigación y enseñanza superior".

Renoir
Muchacha dormida (1880)
Bañista rubia (1881)

Renoir
L'Ingénue (1874)
Mujer con abanico (1879)

Morisot - El baño (1886)
Carolus-Duran - El jardinero del artista (1893)

Tolouse-Lautrec
Carmen (1884)
La espera (1888)

Gauguin - Muchacha cristiana (1894)
Bonnard - Mujeres con perro (1891)

Visita a Collioure

2011-11-05T16:34:00.001+01:00

Collioure es un pueblecito costero situado en la región del Languedoc-Roussillon (sur de Francia). Históricamente, perteneció al Reino de Mallorca, creado por Jaime I el Conquistador en 1231, y que comprendía los condados del Rosellón y Cerdaña, algunos territorios de Occitania y las Islas Baleares. No obstante, en Collioure no sólo se encuentra el encanto medieval: a principios del siglo XX, la localidad atrajo, por su intensa luz y colorido, a dos conocidos pintores, Matisse y Derain -representantes del movimiento fauve-, que la inmortalizaron en sus cuadros. Y también los literatos se fascinaron por ella: Antonio Machado y Patrick O'Brian, enterrados en el cementerio de Collioure, vivieron aquí buena parte de su vida. Por su aire medieval y pintoresco, Collioure es actualmente un lugar muy turístico, y de visita imprescindible si os gusta la región y el arte del sur de Francia.

Calles pintorescas
(como se puede apreciar en la primera imagen, Collioure está lleno de galerías de arte y ateliers)

Casas típicas del centro más turístico

Iglesia de Notre Dame des Anges

Vistas de la playa y el paseo principal

(en la segunda imagen, se aprecia el Château Royal, a la derecha, y el Fort Saint Elme, al fondo)

Playa y paseo principal
La chapelle Saint Vincent

Vistas del Château Royal

Vistas de la playa
(para ilustrar un poco más esas dos imágenes, me gustaría enseñaros dos bonitos cuadros: "Barcas en Collioure", de André Derain, y "Vista de Collioure. El campanario", de Henri Matisse")

Collioure se puede visitar en pocas horas. Puedes alargar la estancia tomando alguna cosa al aire libre, cerca de la orilla del mar, si el tiempo acompaña. En mi opinión, el atractivo principal de la localidad, a parte de las típicas calles totalmente pintorescas -al estilo de Carcassonne- con tiendas artesanales, es el Castillo Real. Construido sobre restos romanos -el primer edificio data de 673-, no fue hasta el siglo XIII, coincidiendo con la creación del Reino de Mallorca, cuando se convirtió en residencia real. Su posición era estratégica: Collioure se había convertido en el primer puerto del Rosellón y era lugar de encuentro de diversas rutas comerciales. Con el tiempo, su apariencia fue modificándose, pues los progresos en la artillería requerían un edificio mucho más fortificado. Quizá la remodelación más importante la llevó a cabo el ingeniero militar Sébastien Le Preste, marqués de Vauban, que fortificó el antiguo castillo -también reforzó las murallas del Palacio de los Reyes de Mallorca, en Perpinyà, entre muchos otros castillos y fortalezas de Francia-.

Vista del castillo desde el exterior
Entrada del castillo

Vista de la playa desde el castillo
Vista desde el castillo

Otra puerta de acceso al interior del castillo
Vistas desde el castillo

(en la imagen se puede apreciar un marco, situado en un punto estratégico, que enmarca algun lugar bonito de la localidad. En este caso, el faro. Hay diversos marcos -creo que doce en total- esparcidos por todo Collioure, obra del artista Marc André De Figueres)

Foso
Pozo situado en el patio de armas

Vistas del patio de armas
(en la primera imagen se puede apreciar el donjon)

Vistas de Collioure desde el castillo
(en la primera imagen se puede ver el Fort Saint Elme)

El patio de honor, o cour d'honneur, que conduce al donjon

Para disfrutar de unas excelentes vistas de Collioure y de sus alrededores, lo mejor es subir hasta el Fort Saint Elme. Para ello, os tenéis que dirigir hasta Port-Vendres y desde allí coger una muy mala carretera hasta la cima de la montaña. Pero la visita vale mucho la pena. Este fuerte fue construido en tiempos de Carlos V, en 1583. En este lugar, existía con anterioridad una torre, integrada en un sistema defensivo más amplio, que comunicaba con otras torres más alejadas. Carlos V, así pues, decidió construir la fortificación alrededor de esta torre, constituyendo así un lugar fuertemente protegido e imponente. Nuevamente, fue el marqués de Vauban el que mejoró su dispositivo defensivo en 1680. Actualmente, el fuerte puede ser visitado, pero no libremente: cada hora hay visitas guiadas en francés que proporcionan un escueto, pero interesante recorrido. En su interior, reformado y restaurado, se exhiben armaduras, armas, cascos y paneles informativos sobre su historia.

Vistas de Collioure desde el Fort Saint Elme

Fort Saint Elme

Interior (armadura / mueble-biblioteca)

Interior (comedor / armas)

Interior (armas)
Vista exterior

Collioure es un lugar precioso, que os recomiendo visitar -mejor si es en un día soleado- si alguna vez pasáis por allí. Y también por su carácter pintoresco os recomiendo Céret -no demasiado lejos de Collioure-, donde está muy asociada la figura de Pablo Picasso. No es de extrañar que los pintores de finales del siglo XIX y de principios del XX sintieran admiración por ese rincón tan luminoso de Francia. Yo también he acabado fascinada por él.

John MacVicar Anderson

2011-11-04T10:39:00.002+01:00

El otro día descubrí dos pinturas del escocés John MacVicar Anderson (1835-1915), que no puedo resistir a enseñaros. A pesar de ser arquitecto de formación, parece ser que también tenía unas buenas dotes para la pintura, cosa que demuestra en estos dos magníficos paisajes de la zona de Westminster, en Londres:

A View of Westminster Abbey and the Houses of Parliament
[Colección privada]

View of Westminster from Lambeth
[Colección privada]

Los Siglos de la Luz, de Antonio Rivero Taravillo

2011-10-20T14:10:00.002+02:00

Ya está disponible en La Espada en la Tinta mi nueva reseña. Esta vez, vuelvo con un libro de temática medieval: un ensayo del poeta y filólogo Antonio Rivero Taravillo.

En la imaginación popular siempre se ha visto la Edad Media como una época sombría, llena de supersticiones. ¿Quiénes fueron aquellos que divulgaron esa creencia? Los hombres del Renacimiento; los mismos que recuperaron la antigua y esplendorosa cultura clásica a principios del siglo XV. Renegando de su pasado más inmediato, se convirtieron en el centro del mundo: desplazaron el teocentrismo medieval, despreciaron su arte -al que llamaron bárbaro- y, en definitiva, crearon una nueva manera de percibir el mundo. Incluso en tiempos del Racionalismo Ilustrado, los intelectuales llegaron a rechazar la época medieval como un tiempo de ignorancia cultural y de retroceso social. No obstante, la visión de una Edad Media oscura empezó a cambiar durante el siglo XIX, cuando los historiadores se propusieron investigar el pasado de una manera más objetiva. Se dieron cuenta de que, a pesar del olvido de los avances científicos de la Antigüedad, de la casi desaparición de la vida urbana y del estancamiento económico de las primeras décadas, el medioevo también produjo cosas excepcionales: poseyó un arte y una literatura espléndida.
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Exposiciones temporales actuales (VII)

2011-10-05T12:02:00.003+02:00

Os traigo una nueva tanda de exposiciones actuales. En esta ocasión, se trata de una recopilación de las exposiciones estrenadas -o por estrenarse próximamente- de los meses de septiembre y octubre.

Caixaforum (Madrid)
Delacroix (1798-1863)
18 de octubre de 2011 - 19 de enero de 2012

Eugène Delacroix es el protagonista de lujo elegido por CaixaForum Madrid para estrenar su programa de exposiciones para la nueva temporada. El 18 de octubre se inaugurará Delacroix (1798-1863), la mayor retrospectiva del pintor francés que se ha organizado en el último medio siglo. Organizada en colaboración con el Museo de Louvre, la muestra reunirá 144 obras entre óleos, obra sobre papel y grabado. Algunas de las piezas se exhiben por primera vez en España. Instituciones como la National Gallery londinense, el Metropolitan Museum de Nueva York o el Art Institute de Chicago han cedido obras para esta exposición, la más importante que se realiza desde la gran retrospectiva que se organizó en París en 1963, con motivo del centenario de la muerte del artista, ha explicado Ignasi Miró, director del área de cultura de la Fundación La Caixa.

Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid)
Arquitecturas pintadas
18 de octubre de 2011 - 22 de enero de 2012

Plazas, calles, edificios y rincones emblemáticos sirvieron a los artistas como fondo en el que ubicar las escenas y episodios que retrataban. Poco a poco la arquitectura fue adquiriendo más protagonismo en la pintura, hasta convertirse en un género propio. Esta exposición recorre la arquitectura en el relato pictórico entre los siglos XIV y XVIII. El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid organizan esta muestra conjunta en la que se recorre la presencia de la arquitectura desde el Renacimiento hasta el XVIII. Cada una de las salas acoge una parte de la muestra en la que se aprecia el protagonismo creciente de la arquitectura en la pintura. El museo centra su muestra en los trabajos de artistas que como Duccio empezaron a dar a sus pinturas marcos urbanos y arquitectónicos para ubicar sus escenas, ya fueran religiosas como la anunciación o costumbristas. Las salas del museo se llenarán de ciudades reales, imaginarias, sorprendentes, de ensueño o de pesadilla que sirvieron de marco a los creadores de aquel momento.

Museo Picasso (Málaga)
Alberto Giacometti. Una retrospectiva
17 de octubre de 2011 - 5 de febrero de 2012

El Museo Picasso Málaga presenta Alberto Giacometti. Una retrospectiva. Colección de la Fundación Alberto y Annette Giacometti, Paris. una exposición que muestra con precisión las diferentes etapas de la trayectoria artística de uno de los creadores más destacados del pasado siglo. Su obra es clave para entender el desarrollo de las vanguardias y la posterior evolución del arte contemporáneo, siendo a pesar de ello un autor inclasificable. Salvo leves excepciones, todas las obras provienen de las colecciones de la Fundación Alberto y Annette Giacometti, creada por la viuda del artista. Ésta es la primera retrospectiva de Alberto Giacometti que se realiza en España en más de 20 años, y reunirá en el Palacio de Buenavista alrededor de 160 obras y cerca de 20 fotografías de otros autores que documentan el trabajo del creador suizo. Se trata de un proyecto que cuestiona la visión reduccionista con la que frecuentemente ha sido considerada la obra de este artista.

Guggenheim (Bilbao)
Brancusi-Serra
8 de octubre de 2011 - 15 de abril de 2012

Esta exposición, organizada en colaboración con la Fondation Beyeler, explora el significado de los conceptos de tiempo y espacio en la obra de Constantin Brancusi y Richard Serra, dos de los máximos exponentes de la escultura del siglo XX. Una selección de aproximadamente treinta esculturas de Brancusi, que se mostrarán en grupos temáticos, evidenciará aspectos esenciales de su obra, al tiempo que se enfrentará y dialogará con una treintena de obras del artista Richard Serra. En ambos casos se pondrá especial énfasis en el efecto producido por los diferentes materiales que emplean, ya sea el mármol, la madera, el cemento, el yeso o el bronce en el caso de Brancusi, o el acero, el caucho, el plomo o los tubos de neón en el de Serra. La presentación se realiza de forma yuxtapuesta, en ocasiones, o dedicando espacios individuales a cada uno de los creadores, poniendo de manifiesto sus similitudes y diferencias, y revelando el dinámico poder espacial de la escultura. La arquitectura de las dos sedes de la muestra juega un destacado papel, sumando una tercera voz a la selección de esculturas.

Musée du Luxembourg
Cézanne et Paris
12 de octubre de 2011 - 26 de febrero de 2012

Cézanne (1839-1906), qu’une légende tenace décrit comme "le Maître d’Aix" solitaire et retiré en Provence, ne s’est en réalité jamais éloigné de la capitale et de l’Ile-de-France : entre 1861et 1905, il n’a cessé d’y revenir et de s’en inspirer. Son œuvre témoigne de ces séjours au cours desquels il fréquente les impressionnistes, Pissarro, Guillaumin, Renoir, Monet. Quelques amis le soutiennent comme le Docteur Gachet à Auvers-sur-Oise. À Paris, Cézanne se confronte tout autant à la tradition qu’à la modernité. Il trouve les "formules" avant de les exploiter en Provence (plus de vingt fois il fait l’aller/retour Paris/Provence). L’exposition nous éclaire sur les grands thèmes qu’il explore alors : quelques vues dans Paris, les paysages d’Ile-de-France, les nus, natures mortes et portraits. Son amitié avec Zola est privilégiée. Après 1890, critiques, marchands, et collectionneurs commencent à s’intéresser à son œuvre. Cézanne se montre attentif à cette reconnaissance qui ne peut venir que de Paris. Ainsi imprime-t-il sa marque dans l’art moderne : l’avant-garde le considèrera comme un précurseur, "notre père à tous", selon la formule de Picasso. Organisée en collaboration avec le Petit Palais, musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris, l’exposition réunit environ 80 œuvres majeures issues du monde entier.

Musée d'Orsay (París)
Beauté, morale et volupté dans l'Angleterre d'Oscar Wilde
13 de septiembre de 2011 - 15 de enero de 2012

Cette exposition explore l'"aesthetic movement" qui, dans l'Angleterre de la seconde moitié du XIXe siècle, se donne pour vocation d'échapper à la laideur et au matérialisme de l'époque, par une nouvelle idéalisation de l'art et de la beauté. Peintres, poètes, décorateurs et créateurs définissent un art libéré des principes d'ordre et de la moralité victorienne, et non dénué de sensualité. Des années 1860 à la dernière décennie décadente du règne de la reine Victoria, qui s'éteint en 1901, ce courant est étudié à partir des oeuvres emblématiques de Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones et William Morris, James McNeill Whistler, Oscar Wilde et Aubrey Beardsley. Tous sont réunis dans une même quête associant la création artistique à l'art de vivre et qui trouve des terrains d'expression féconds dans les domaines de la photographie, des arts décoratifs, du vêtement et de la littérature.

Musée de l'Orangerie (París)
L'Espagne entre deux siècles: de Zuloaga à Picasso (1890-1920)
7 de octubre de 2011 - 9 de enero de 2012

Si les peintres du Siècle d'or espagnol sont bien connus du public français, c'est sans doute moins le cas des artistes de la période charnière entre les XIXe et XXe siècles, à l'exception, peut-être, de Sorolla. Ils furent nombreux pourtant, comme Zuloaga, Casas, Camarassa ou Rusiñol, à séjourner longuement à Paris et à exposer régulièrement aux Salons. Cette génération a ouvert la voie à ceux qui allaient devenir des géants de l'Histoire de l'art : Dalí, Miró et Picasso. Le parcours exalte deux visions de l'Espagne. Une Espagne noire, dont Zuloaga et Solana sont les meilleurs représentants, et une Espagne blanche magnifiée par la palette lumineuse et chatoyante de Sorolla. Entre ces deux sensibilités et dans le foisonnement des mouvements artistiques qui se superposent à l'orée du XXe siècle, l'exposition montre qu'en constante relation avec Paris, capitale de la peinture nouvelle, la plupart de ces artistes adoptent de nouveaux langages, mais restent aussi les héritiers de Greco, Ribera, Goya en préservant leur part d'hispanité.

Grand Palais (París)
Matisse, Cézanne, Picasso: The Steins Collect
5 de octubre de 2011 - 16 de enero de 2012

This exhibition is a rare opportunity to see one of the most adventurous collections of modern art ever assembled. “Matisse, Cezanne, Picasso: The Steins Collect” features works by artists supported by the avant-garde writer Gertrude Stein, her brothers Leo and Michael, and Michael’s wife Sarah, American expatriates who settled in early 20th century Paris. The visionary Steins were the first to buy works by Picasso and Matisse. This exhibition explores how their patronage of the Parisian avant-garde helped to shape the way we think of modern art today. The reinvention of French painting in the first decade of the 20th century was made possible by the passionate support of patrons like the Steins, who helped struggling artists by creating a space in their home where artists could exchange new ideas and exhibit their work. Walking through the Grand Palais galleries recreates the sense of discovery the Steins must have experienced in collecting, from their initial acquisitions to the close friendships that grew between them and their artists. It also reveals the extraordinary foresight that prompted them to acquire misunderstood works that would eventually become icons of modern art—not only by Picasso and Matisse, but also Manguin, Bonnard, Vallotton, Gris, and Masson. By bringing together this outstanding ensemble of works from the Steins’ collections, “The Steins Collect” demonstrates how one exceptional family helped shape the story of modern art.

Tate Britain (Londres)
John Martin: Apocalypse
21 de septiembre de 2011 - 15 de enero de 2012

Visionary, eccentric, populist and epic, John Martin was a controversial but key figure in nineteenth century art. Like his canvases, this wildly dramatic artist with his visions of heaven and hell, was larger than life. Organised in partnership with the Laing gallery, Newcastle, this is the first major exhibition dedicated to Martin's work in over 30 years. It brings together his most famous paintings of apocalyptic destruction and biblical disaster from collections around the world, as well as previously unseen and newly-restored works. Hugely popular in his time, Martin was derided by the Victorian Art establishment as a 'people's painter', for although he excited mass audiences with his astounding scenes of judgement and damnation, to critics it was distasteful. In a sense ahead of this time, his paintings - full of rugged landscapes and grandiose theatrical spectacle - have an enduring influence on today's cinematic and digital fantasy landscapes. This exhibition presents a spectacular vision, capturing the full drama and impact of John Martin's paintings as they were originally displayed. Just as in the nineteenth century, these epic and often astounding works must be seen to be believed.

Royal Academy of Arts (Londres)
Degas and the Ballet: Picturing Movement
17 de septiembre - 11 de diciembre de 2011

Degas and the Ballet: Picturing Movement will comprise around 85 paintings, sculptures, pastels, drawings, prints and photographs by Degas, as well as photographs by his contemporaries and examples of early film. It will bring together selected material from public institutions and private collections in Europe and North America including both celebrated and little-known works by Degas. The exhibition will explore the fascinating links between Degas’s highly original way of viewing and recording the dance and the inventive experiments being made at the same time in photography by Jules-Etienne Marey and Eadweard Muybridge and in film-making by such pioneers as the Lumière brothers. By presenting the artist in this context, the exhibition will demonstrate that Degas was far more than merely the creator of beautiful images of the ballet, but instead a modern, radical artist who thought profoundly about visual problems and was fully attuned to the technological developments of his time.

Dulwich Picture Gallery (Londres)
Painting canada: Tom Thomson and The Group of Seven
19 de octubre de 2011 - 8 de enero de 2012

In the early twentieth century in Toronto, Canada, the first stirrings of a new movement of painting were being felt. A group of artists started to engage with the awesome Canadian wilderness, a landscape previously considered too wild and untamed to inspire ‘true’ art. Tom Thomson paved the way for this artistic collective, the Group of Seven, and their works have become revered in Canada. This exhibition will reintroduce their stunning impressions of the Canadian landscape to the British public for the first time since the 1920s. Ian Dejardin, director at Dulwich Picture Gallery, said: “These artists produced some of the most vibrant and beautiful landscapes of the twentieth century. The Canadians have kept this particular light under a bushel for far too long – I am proud, and frankly amazed, that this is to be the very first major exhibition of their work to be held in this country since the sensation of their first showing here in 1924. As for Tom Thomson – what he achieved in his tragically short career (just 5 years) is extraordinary. He is Canada’s very own Van Gogh.

MOMA (Nueva York)
de Kooning: A Retrospective
18 de septiembre de 2011 - 9 de enero de 2012

This is the first major museum exhibition devoted to the full scope of the career of Willem de Kooning, widely considered to be among the most important and prolific artists of the 20th century. The exhibition, which will only be seen at MoMA, presents an unparalleled opportunity to study the artist’s development over nearly seven decades, beginning with his early academic works, made in Holland before he moved to the United States in 1926, and concluding with his final, sparely abstract paintings of the late 1980s. Bringing together nearly 200 works from public and private collections, the exhibition will occupy the Museum’s entire sixth-floor gallery space, totaling approximately 17,000 square feet. Representing nearly every type of work de Kooning made, in both technique and subject matter, this retrospective includes paintings, sculptures, drawings, and prints. Among these are the artist’s most famous, landmark paintings—among them Pink Angels (1945), Excavation (1950), and the celebrated third Woman series (1950–53)—plus in-depth presentations of all his most important series, ranging from his figurative paintings of the early 1940s to the breakthrough black-and-white compositions of 1948–49, and from the urban abstractions of the mid 1950s to the artist’s return to figuration in the 1960s, and the large gestural abstractions of the following decade.

Metropolitan (Nueva York)
Infinite Jest Caricature and Satire from Leonardo to Levine
13 de septiembre de 2011 - 4 de marzo de 2012

The exhibition explores caricature and satire in its many forms from the Italian Renaissance to the present, drawn primarily from the rich collection of this material in the Museum's Department of Drawings and Prints. The show includes drawings and prints by Leonardo da Vinci, Eugène Delacroix, Francisco de Goya, Henri de Toulouse-Lautrec, and Enrique Chagoya alongside works by artists more often associated with humor, such as James Gillray, Thomas Rowlandson, Honoré Daumier, Al Hirschfeld, and David Levine. Many of these engaging caricatures and satires have never been exhibited and are little known except to specialists. In its purest form, caricature—from the Italian carico and caricare, "to load" and "to exaggerate"—distorts human physical characteristics and can be combined with various kinds of satire to convey personal, social, or political meaning. Although caricature has probably existed since artists began to draw (ancient examples are known), the form took shape in Europe when Leonardo da Vinci's drawings of grotesque heads were copied by followers and distributed as prints.

Metropolitan (Nueva York)
The Art of Dissent in 17th-Century China Masterpieces of Ming Loyalist art from the Chih Lo Lou Collection
7 de septiembre de 2011 - 2 de enero de 2012

The collapse of the Ming dynasty (1368–1644) and subsequent conquest of China by semi-nomadic Manchu tribesmen from northeast of the Great Wall comprised some of the most traumatic events in Chinese history. This wrenching era also spurred an enormous outpouring of creative energy as many former Ming subjects turned to the arts to express their loyalty to the noble but doomed cause of Ming restoration and to assert their defiance and moral virtue. Drawn from one of the finest and most comprehensive private assemblages of the art of the Ming-Qing transition, this exhibition showcases more than sixty landscape paintings and calligraphies that highlight the intensely personal styles created by the leading artists of that time. Particularly noteworthy are the clusters of exceptional works by Huang Daozhou, Hongren, Bada Shanren (Zhu Da), and Shitao.

Metropolitan (Nueva York)
Stieglitz and His Artists. Matisse to O'Keeffe
13 de octubre de 2011 - 2 de enero de 2012

This exhibition is the first large-scale presentation of paintings, sculptures, drawings, and prints from Alfred Stieglitz's collection, acquired by the Metropolitan in 1949. In addition to being a master photographer, Stieglitz (1864–1946) was a visionary promoter of modern American and European art, and he assembled a vast art collection of exceptional breadth and depth. Through a succession of influential galleries that he ran in New York City between 1905 and 1946, Stieglitz exhibited many of the most important artists of the era, and he collected works by Pablo Picasso, Henri Matisse, Constantin Brancusi, Gino Severini, Vasily Kandinsky, Georgia O'Keeffe, Marsden Hartley, John Marin, Charles Demuth, and Arthur Dove. For more than sixty years, The Alfred Stieglitz Collection has been the cornerstone of the Museum's holdings of modern American art. The exhibition will feature some two hundred major works by American and European modernists, supplemented by photographs by the Photo-Secessionists and publications by Stieglitz—all from the Metropolitan's holdings. Highlights include Picasso's Woman Ironing and Standing Female Nude, Kandinsky's Improvisation 27 (Garden of Love), Brancusi's Sleeping Muse, O'Keeffe's Black Iris and Cow's Skull: Red, White, and Blue, Demuth's I Saw the Figure 5 in Gold, and Hartley's Portrait of a German Officer.

Guggenheim (Nueva York)
Pop Objects and Icons from the Guggenheim Collection
30 de septiembre de 2011 - 8 de febrero de 2012

Pioneered in Europe in the late 1950s, the American Pop art movement took off after finding support from critics such as Guggenheim curator Lawrence Alloway. Encouraged by the economic vitality and consumerist culture following World War II, artists including Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, and Andy Warhol explored the image world of popular culture and took inspiration from advertisements, pulp magazines, billboards, movies, television, and comic strips. This focused exhibition demonstrates various artists’ engagement with Pop art and the Guggenheim's ongoing interest in the legacy of the style.

Guggenheim (Nueva York)
Kandinsky's Painting with White Border
21 de octubre de 2011 - 15 de enero de 2012

Vasily Kandinsky’s canvas, Painting with White Border (Bild mit weissem Rand, May 1913) was inspired by a trip the artist took to Moscow in fall 1912. Upon his return to Munich, where he had been living intermittently since 1896, Kandinsky searched for a way to visually record the “extremely powerful impressions” of his native Russia that lingered in his memory. Over a period of five months, he explored various motifs and compositions in study after study, moving freely between pencil, pen and ink, watercolor, and oil. After he produced at least 16 studies, Kandinsky finally arrived at the pictorial solution to the painting: the white border. In his seminal 1911 treatise Über das Geistige in der Kunst. Insbesondere in der Malerei (On the Spiritual in Art: And Painting in Particular), Kandinsky wrote that the color white expresses a “harmony of silence . . . pregnant with possibilities.”

The Frick Collection (Nueva York)
Picasso's Drawings, 1890–1921: Reinventing Tradition
4 de octubre de 2011 - 8 de enero de 2012

Pablo Picasso (1881–1973) is generally acknowledged to be the greatest draftsman of the twentieth century. The Frick Collection, New York, and the National Gallery of Art, Washington D.C., have co-organized an exhibition for 2011–12 that will look at the dazzling development of Picasso's drawings, from the precocious academic exercises of his youth in the 1890s to the virtuoso classical works of the early 1920s. Through a selection of more than fifty works at each venue, the presentation will examine the artist's stylistic experiments and techniques in this roughly thirty-year period, which begins and ends in a classical mode and encompasses the radical innovations of Cubism and collage. The show (which opens at the Frick in the fall of 2011 and moves on to the National Gallery of Art in February of 2012) will demonstrate how drawing served as an essential means of invention and discovery in Picasso's multifaceted art, while its centrality in his vast oeuvre connects him deeply with the grand tradition of European masters. Indeed, the exhibition will bring to the fore his complex engagement with artists of the near and distant past and will explore the diverse ways he competed with the virtuoso techniques of his predecessors and perpetuated them in revitalized form. Picasso's Drawings, 1890–1921: Reinventing Tradition will feature loans from important public and private collections in Europe and the United States and will be accompanied by a full-length catalogue of the same name.

Alte Pinakothek (Berlín)
Perugino - Raphael's Master
13 de octubre de 2011 - 15 de octubre de 2012

Pietro Perugino was one of the most successful artists of the Italian Renaissance around 1500. Prominent patrons courted his attention even some distance from Florence and Perugia, the centres in which he worked. It was not just the classical harmony and technical skill of his paintings that his contemporaries admired, but their contemplative, lyrical mood in particular. In 1829, King Ludwig I of Bavaria managed to acquire one of the master’s principal works, The Vision of Saint Bernard, for the Alte Pinakothek. This altarpiece is an invitation to rid Perugino of the shadow cast by his pupil Raphael. The Munich exhibition is the first major show outside Italy to be devoted entirely to Perugino. It comprises 40 exquisite paintings on loan from international collections (including the Uffizi Gallery, the Louvre and the Hermitage), focussing in particular on the heyday of the artist’s career. Apart from the impressive religious works, unique examples of Perugino’s skill as a portraitist and of his mythological creations vividly illustrate the humanist ideals of the times.

Pergamonmuseum (Berlín)
Pergamon. Panorama of the Ancient City
30 de septiembre de 2011 - 30 de septiembre de 2012

The National Museums in Berlin presents the first major exhibition dedicated entirely to the ancient city of Pergamon. To accompany the exhibition, the company asisi erects a new monumental 360° panorama of the city in the cour d'honneur of the museum on the Museum Island. The city, situated on the west coast of Turkey, famous for its impressive monumental structures, its sculpture workshops, its important library and school of philosophers, was a flourishing centre of Greek art and culture in the Hellenistic period. The Pergamenian kings ruled over great parts of Asia Minor and exerted considerable power in the Eastern Mediterranean region. Now over a surface of approx. 4000 square metres many exhibits, never seen before, from the Collection of Classical Antiquities in Berlin will go on show in the north wing of the Pergamonmuseum. Ancient sculptures, architectural elements, mosaics, tools, musical instruments, votive offerings and technical devices all reveal something of the city's art and culture.

Belvedere (Viena)
Gustav Klimt / Josef Hoffmann Pioners of Modernism
25 de octubre de 2011 - 4 de marzo de 2012

The Belvedere owns the world’s largest collection of paintings by Gustav Klimt. In autumn 2011, it will present this world-famous artist together with the congenial architect and designer Josef Hoffmann. Their intense collaboration, such in the Beethoven Exhibition at the Vienna Secession (1902) and the Stoclet Palace in Brussels (1905-12), set new standards in Europe when it comes to the concept of the Gesamtkunstwerk. Numerous works, such as Klimt’s Portrait of Fritza Riedler, which clearly reflects Hoffmann’s characteristic hand, attest to the two pioneers’ mutual influence, which in this comprehensive exhibition is also explored with regard to their involvement in the Wiener Werkstätte.

(Re) Sorteo: La tienda de antigüedades (Resultado)

2011-09-27T15:09:00.004+02:00

Como Allestad no ha pasado a recoger su premio (¡lo siento!), voy a sortear de nuevo el libro. A ver si esta vez hay más suerte.

Y el ganador es...

V de Vane

¡Felicidades! Ya sabes que tienes un par de días para reclamar el premio.

Sorteo: La tienda de antigüedades (Resultado)

2011-09-24T10:32:00.001+02:00

Ayer se cerró el plazo para poder conseguir gratis un ejemplar de La tienda de antigüedades, de Charles Dickens. ¡Ya es hora de conocer al ganador o ganadora! El número premiado ha sido generado automáticamente a través de la página www.random.org.

Y sin más dilación, el ganador es...

Allestad

¡Felicidades, Allestad! Tienes dos días para reclamar el premio (puedes escribir un mensaje por aquí). Si pasado este tiempo no has dado señales de vida, se procederá a sortear el libro otra vez.

¡Muchas gracias a todos por participar!

Un caso en Brighton House, en el 221B

2011-09-14T21:01:00.002+02:00

A principios de julio, Carlos Díaz Maroto (belakarloff) , desde su blog 221B. Sherlock Holmes y su mundo (que estáis obligados a visitar tanto si sois amantes del personaje como si no), convocó un concurso de relatos que debían ser ambientados, cómo no, en el mundo creado por Sir Arthur Conan Doyle. Cuando lo leí, pensé de inmediato que debía participar escribiendo uno; así también comprobaría mis "habilidades" de escritora. Nunca antes había escrito un relato, pero el tema me gustaba -me encanta Sherlock Holmes, pero aún me falta mucho por aprender- y el plazo era lo bastante amplio como para pensar una buena historia. Se me ocurrieron un montón de ideas vagas y varios nombres de personajes. Me costaron lo suyo las primeras frases, pero poco a poco fue saliendo algo bastante digno. El problema me lo encontré al final. Y seguro que eso le ha pasado a muchos escritores noveles. Atascarse en la resolución. ¿Cómo encontrar un buen final, que cumpla con las expectativas del relato? Seguramente encontraréis el final de mi historia un poco precipitado. Si os apetece, ya me daréis vuestra opinión sobre él.

Y para terminar, el relato ganador del concurso: Danza macabra, escrito por Luis Míguez. Una historia llena de referencias que gustará mucho a los más versados sobre Sherlock Holmes, y a los que no, por supuesto que también. Un merecidísimo primer puesto.

Un caso en Brighton House

Agnes Wyndham tenía una inquietud que la atormentaba. ¡Deseaba con toda su alma liberarse de ella! Hacía ya tantos días que había esperado el momento oportuno para solucionarlo que ya casi había perdido toda esperanza. Sin embargo, un rayo de luz iluminaba ahora su pálido semblante: se había presentado una oportunidad. Había escuchado rumores sobre el eficaz y minucioso trabajo de un detective consultor llamado Sherlock Holmes. Eso era lo que necesitaba, sin duda. Reunió todo su valor y se presentó, una fría mañana de octubre, ante el 221b de Baker Street. Mrs. Hudson abrió la puerta y le indicó el camino. Agnes subió las estrechas escaleras que conducían al primer piso con paso lento e inseguro. Llamó dos veces sin recibir respuesta. Temiendo su atrevimiento, abrió la puerta y se introdujo en la estancia. Una densa nube de humo impregnaba el ambiente, dejando tan solo entrever la figura de un hombre recostado en su sillón, fumando con pipa.
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Los paisajes de "Le Tour de France" (II)

2011-09-14T17:31:00.002+02:00

Hace dos años me propuse iniciar una serie de artículos sobre los monumentos que aparecieron en el Tour de Francia del 2009. Al final, sin recordar ya la razón, tan sólo publiqué uno -que relataba el paso de los ciclistas por Mónaco, Marsella y alrededores, y que podéis consultar pinchando en el siguiente enlace: Los paisajes de "Le Tour de France" (I)-. Este año, me he decidido a mostraros todos aquellos castillos que pude ver en las distintas etapas. Evidentemente, es sólo un pequeño extracto, pues me resultó imposible estar pendiente todos los días. Espero que os guste esta selección:

Château de Vincennes
[Vincennes, cerca de París]

Château de l'Estang
[Orbigny]

Château d'Alleuze
[Alleuze, Cantal]

Château de Mauriac
[Senouillac, Haute-Garonne]

Châuteau de Chissay
[Chissay-en-Touraine]

Château de Trévarez
[Saint-Goazec, Bretagne]

Château de Salvagnac-Cajarc
[Aveyron, Midi-Pyrénées]

Château de Larroque-Toirac
[Larroque-Toirac, Midi-Pyrénees]

Château de Penne
[Penne, Midi-Pyrénées]

Château de Pontécoulant
[Calvados, Normandie]

Château de Versainville
[Calvados, Normandie]

Château de Vendeuvre
[Vendeuvre, Lisieux]

Château du Haut-Kœnigsbourg
[Orschwiller, Alsace]

Châuteau de Chaumont
[Chaumont-sur-Loire, Loir-et-Cher]

Châuteau de Montrichard
[Montrichard, Loir-et-Cher]

Imágenes extraídas de: wikipedia, flickr, panoramio.

Sorteo: La tienda de antigüedades, de Charles Dickens

2011-09-09T09:00:00.003+02:00

A Young Knight Travel tiene el placer de convocar su primer concurso literario. Tan sólo tendréis que responder a unas sencillas preguntas para poder ganar el premio: un magnífico ejemplar de "La tienda de antigüedades", de Charles Dickens, proporcionado por Nocturna Ediciones. ¡Animaros a participar!

La pequeña Nell Trent es huérfana y vive con su abuelo en la tienda de antigüedades que este regenta. Marcados por la pobreza, ambos intentan salir adelante... hasta que el abuelo recurre al malvado prestamista Daniel Quilp, un enano deforme y jorobado.

Bases:

Es imprescindible ser seguidor de este blog para poder optar al premio.

Es necesario enviar vuestros datos postales, junto al nick de seguidor escrito en el asunto, a la dirección concursodickens@gmail.com. Estos datos tan sólo serán usados para realizar el envío en caso de resultar ganador.

Pueden participar todos aquellos que vivan en el territorio español, incluidas las islas.

Se aceptarán participantes hasta el 23 de septiembre incluido. El ganador se conocerá el 24 de septiembre. Una vez conocido el nombre del premiado, este dispondrá de dos días para reclamar el premio. Si no se diera el caso, se procederá a sortear el libro nuevamente.

Preguntas:

¿En qué año empezó a publicarse "La tienda de antigüedades"?
¿En qué ciudad se encontraba la tienda de antigüedades regentada por el abuelo de Nell?
¿Cuál fue la primera novela que escribió Charles Dickens?

Tan sólo me falta dar las gracias a Nocturna Ediciones por hacer posible este concurso. De momento es una editorial pequeñita, pero los libros que edita están perfectamente cuidados. No dejéis pasar la oportunidad de conseguir este ejemplar, que además lleva ilustraciones, y veréis la calidad que tiene. Desde mi modesto espacio, os invito a que conozcáis, si es que no lo habéis hecho ya, el trabajo de esta editorial.

Y por si queréis promocionar el concurso, aquí os dejo un banner:

John Martin: sublime apocalíptico

2011-09-01T14:09:00.007+02:00

Si ahora mismo me preguntarais de qué pintor estoy más obsesionada, os diría, sin duda, que de John Martin (1789-1854). No recuerdo cómo, ni a través de qué fuente lo descubrí; sólo sé que cuando vi por primera vez La destrucción de Sodoma y Gomorra me impresionó muchísimo. Me asombró esa pincelada enérgica, característica del pintor, para reflejar la sensación de caos y desolación que el tema requería. Y es que las pinturas de John Martin son una clara muestra de lo sublime y de lo apocalíptico en el arte.

Quizá deberíamos comentar un poco el concepto de lo sublime -otro tema que me ha obsesionado bastante tiempo-, no sólo para entender mejor la pintura de John Martin, sino también para comprender un poco más el arte romántico. Lo sublime no es un concepto que debamos relacionar con la razón: hace referencia a una sensación que supera lo normal; lo sublime es desproporción, exceso, exageración; se encuentra en la forma ilimitada. En estética, este término hizo fortuna en el siglo XVIII, aunque ya había aparecido en el siglo III en una obra de Pseudo-Longino, "Sobre lo sublime". A partir de ese momento, cuando las ideas de la Ilustración empezaron a desmoronarse, se recuperó el concepto de lo sublime y, sobre todo, se lo relacionó con el de la belleza. Fueron, principalmente, Edmund Burke -"Indagación filosófica sobre el origen de nuestras ideas acerca de lo sublime y de lo bello" (1756) e Immanuel Kant los que debatieron con más intensidad esta relación de términos. Burke vinculó lo sublime con la grandeza y la intensidad. La belleza implicaba quietud; en cambio lo sublime implicaba dinamismo. Por ejemplo, una luz extremadamente fuerte se relaciona con lo sublime porque hace desaparecer las formas. También es una experiencia sublime cuando se pasa de un ambiente con mucha luz a uno con una oscuridad absoluta, ya que, como nos conmociona, es sublime. No obstante, ha de proporcionarnos una reacción de placer, antes o después del suceso. Si estoy en una situación terrorífica, tan sólo experimentaré terror: en las pinturas de Friedrich, como en el "Caminante ante un mar de niebla", el protagonista se ve superado por la inmensidad de la naturaleza; pero eso no le proporciona terror, sino placer e inquietud ante esa inconmensurabilidad; se siente impotente ante ese poder. Contrariamente, la belleza se define por la proporción, la simetría y la medida en las formas. Esta idea la podemos encontrar bien explicada en las teorías de Winckelmann, historiador del arte del siglo XVIII: para él, la belleza absoluta se encontraba en la escultura griega antigua, porque había perfección, idealización y proporción.

En definitiva, podríamos definir lo sublime con los términos grandeza, gravedad y dinamismo. Y es precisamente eso lo que encontramos en las pinturas de John Martin. Fue educado en un ambiente extremadamente religioso -su madre era una ferviente protestante- que influyó en su posterior producción pictórica, la gran mayoría de temática bíblica -son frecuentes las imágenes de condenación y salvación, como su extraordinaria trilogía del día del juicio final, compuesta por The Great Day of His Wrath, The Last Judgement y The Plains of Heaven-. Aunque sus inicios fueron difíciles, acabó consiguiendo una extraordinaria fama: la arquitectura ecléctica y grandilocuente que solía utilizar -una especie de mezcla egipcia, babilónica y griega-, fascinaba a sus contemporáneos. También sus efectos de luz, la vastedad de sus composiciones y la angustiante atmósfera producían en el público una sensación opresiva y abrumadora. Todo ello no hacía más que responder al clima social y cultural de la época: el ambiente revolucionario que se vivía en Europa, el nacimiento de la industria y el estricto orden social establecido, la explotación colonial y la esclavitud; la insalubridad de las ciudades y las diversas epidemias de cólera que tuvieron lugar en Inglaterra; todo ello unido a la superstición, al sentido de lo apocalíptico, al desastre, al gusto por la profecía y lo sobrenatural -eran muy famosos los espectáculos de fantasmagorías, donde los juegos de luces provocaban la aparición de espectros-. No es de extrañar, entonces, que las obras de John Martin tuvieran tanto éxito, porque respondían a las inquietudes de su tiempo. Para más información sobre su vida, os dejo con un pequeño resumen extraído del "Diccionario de arte", de Ian Chilvers:

Pintor romántico y grabador inglés, célebre por sus melodramáticas escenas de acontecimientos catastróficos, repletas de figuras diminutas situadas en vastos escenarios arquitectónicos. Cautivó la imaginación del público con pinturas espectaculares como Josué ordenando al sol que se detenga, la obra que le hizo famoso, y en 1821 Lawrence se refería a él como "el pintor más popular del momento". Su obra fue verdaderamente popular, desde luego, ya que en las exposiciones de sus cuadros a veces había que separarlos con rejas de las muchedumbres de admiradores; vivió sobre todo de la venta de grabados de sus cuadros, más que de los cuadros mismos. Se hizo famoso en Francia igual que en Gran Bretaña, fue condecorado por Leopoldo I de Bélgica, y su influencia se dejó sentir en artistas norteamericanos como Cole. Sin embargo, a la vez que gustaba al gran público y que algunos admiradores le consideraban uno de los mayores genios de la historia, fue denostado por Ruskin y otros críticos, que consideraron su obra sensacionalista y vulgar. Pocos artistas, en efecto, han sido objeto de tales extremos de fortuna crítica, y su fama se hundió hasta un grado tan asombroso tras su muerte, que algunos de sus enormes cuadros, antaño famosos, fueron vendidos en la década de 1930 por una cifra tan pequeña como dos libras esterlinas. En la década de 1970 recuperó en gran parte su reputación.

Martin hizo grabados a la manera negra no sólo como forma de reproducir sus pinturas, sino a la vez como composiciones originales. Especialmente dignas de mención son sus ilustraciones de la Biblia y del Paraíso perdido de John Milton, que muestran que aunque tenía grandes debilidades como artista, especialmente en su dibujo de la figura humana, también tenía viveza y grandilocuencia de imaginación nada desdeñables en temas tan elevados.

Assuaging of the Waters

Belshazzar's Feast

Cadmus and the Dragon

Diogenes Throwing Away His Cup

Fonthill Abbey

The Fall of Babylon

The Courts of God

Satan Presiding Over the Infernal Council

The Bridge Over Chaos (from Paradise Lost)

The Seventh Plague of Egypt

The Great Day of His Wrath

The Last Judgement

The Plains of Heaven

Joshua Commanding the Sun to Stand Still upon Gibeon

The Destruction of Sodom and Gomorrah

Manfred and the Alpine Witch

Pandemonium

Macbeth

King Arthur and Aegle in the Happy Valley

The Celestial City and the River of Bliss

The Eve of the Deluge

El 21 de septiembre, la Tate Britain de Londres inaugura una gran retrospectiva sobre John Martin, la primera desde hace más de treinta años. Una oportunidad única para ver reunidas una buena cantidad de obras del pintor -algunas de ellas no vistas con anterioridad- y constatar su conexión con nuestro mundo actual (podemos ver su rastro, por ejemplo, en el productor y técnico de efectos especiales Ray Harryhausen).

La exposición es una muestra de la reivindicación y recuperación de una de las figuras más importantes del arte inglés del siglo XIX. El pasado octubre también apareció un libro monográfico sobre el pintor, escrito por Barbara C. Morden. Aunque hace un panorama bastante extenso sobre su vida y sobre la sociedad de su época, las ilustraciones que acompañan el texto dejan mucho que desear, pues no son de la más alta calidad (cosa que todo buen libro de arte requiere) y algunas no se aprecian en su totalidad. No obstante, es el libro más reciente y -me atrevería a decir- el único que se puede encontrar actualmente dedicado a John Martin, a excepción de su autobiografía, publicada a principios de año por la Tate.

ACTUALIZACIÓN

Dos vídeos subidos por la Tate Britain: uno, anunciando la exposición; el otro, Ray Harryhausen hablando sobre John Martin:

Cerrado por vacaciones

2011-08-02T00:04:00.006+02:00

El miércoles por la mañana me voy 15 días de vacaciones. Esta vez no es un mes, como era costumbre en los últimos años, pero aún así aviso de que no estaré por aquí. Nos vamos de nuevo a Galicia, en un pueblecito cerca de Ourense. Allí no tengo internet, así que si alguien me escribe leeré su mensaje a la vuelta. Espero que vosotros también tengáis unas muy buenas vacaciones. ¡Nos leemos en un par de semanas!

Os dejo con una inquietante imagen del poeta, pintor y místico inglés William Blake:

William Blake
The Angel of Revelation (1805)
[Metropolitan]

Exposiciones temporales actuales (VI)

2011-08-01T13:44:00.002+02:00

Antes de cerrar el blog por vacaciones, os traigo algunas de las últimas exposiciones que se han inaugurado o que abrirán sus puertas ahora en el mes de agosto. Esta vez no hay demasiadas novedades, pero os aseguro que en el mes de septiembre, y sobre todo octubre, hay muchísimas de interesantes.

CaixaFòrum (Barcelona)
Retratos de la Belle Époque
20 de julio - 9 de octubre del 2011

Belle Époque es una expresión que designa las últimas décadas del siglo XIX y las primeras del XX. Un periodo de intenso crecimiento económico, enmarcado por la guerra franco-prusiana y la Primera Guerra Mundial. Durante este periodo, se produce un profundo cambio que altera tanto las convenciones estilísticas del arte de pintar, como el marco de las relaciones que vinculan al pintor con su público y su mercado. La visión más generalizada de la historia del arte de la Belle Époque destaca el impresionismo, el postimpresionismo y las primeras vanguardias del siglo XX como columna vertebral del cambio. Sin embargo, es fácil observar que ese cliché, acuñado retrospectivamente en el siglo XX, deja en la sombra muchos aspectos de la vida artística del momento que fueron muy relevantes para sus contemporáneos. A través de tres generaciones de pintores, la exposición aborda distintos aspectos del retrato para reflejar el tránsito desde un estado de ánimo inicial, triunfal y confiado, propio de los primeros años, hasta la aguda inquietud crítica de los retratos expresionistas de los años finales, que cierran el recorrido de la muestra. Articulada en nueve ámbitos: Autorretratos, El Retrato de sociedad, Temperamento y carácter, Retratos de grupo, Ambientes y conversaciones, Retratos en plein air, Toulouse-Lautrec, El retrato como símbolo y La crisis, la exposición propone una mirada sobre los complejos movimientos pictóricos de la Belle Époque para desentrañar las claves iconográficas y psicológicas de esta época fundamental para la construcción del espíritu moderno e intentar tender puentes entre la historia de la pintura y las historias social y cultural.

Museo Picasso (Málaga)
Picasso crea. A través de la cámara de David Douglas Duncan
20 de junio - 25 de septiembre de 2011

Cannes, 8 de febrero de 1956. El fotoperiodista David Douglas Duncan detiene su automóvil frente a La Californie, residencia de uno de los más célebres creadores de la historia: Pablo Picasso. En su mano, un anillo especialmente hecho para el artista, quien aprecia el gesto y le permite la entrada a su casa, a su estudio y a su intensa vida. Comisariada por Stephanie Ansari y Tatyana Franck, Picasso crea. A través de la cámara de David Douglas Duncan reúne en el Museo Picasso Málaga una selección de 115 fotografías, escogidas de entre las miles que Duncan tomó del artista y su entorno en aquellos años. La exposición muestra asimismo un total de 77 obras de Pablo Picasso que aparecen en las instantáneas para dialogar con ellas y permitir adentrarse en el universo insólito del creador. Entre éstas, destaca la variedad de técnicas y de estilos, así como la presencia de piezas que por primera vez pueden verse en el MPM, como son las sorprendentes esculturas La mona y su cría (1951) y Mujer con llave (1954-1957). “Las jóvenes generaciones quizá piensan que Picasso era misterioso. No lo era en absoluto. Para mí, en cambio, existe un misterio: le he fotografiado unas veinticinco mil veces. En cada ocasión, parecía completamente normal, semejante a cualquier persona, excepto por los ojos. Se reía, estaba siempre muy atento a lo que decías, se interesaba por ti. Pero en mis encuentros con él nunca llegué a saber en qué pensaba”. A pesar de lo que señala el propio fotógrafo en esta cita, las imágenes tomadas por David Douglas Duncan están consideradas como una de las mejores tentativas de exploración dirigidas a comprender a Pablo Picasso y su obra.

National Gallery (Londres)
Art for the Nation: Sir Charles Eastlake at the National Gallery
27 de julio - 30 de octubre de 2011

This exhibition illuminates the life and work of the Gallery’s first director, Sir Charles Lock Eastlake (1793–1865), a man described by one contemporary as ‘the Alpha and Omega’ of the Victorian art world. Eastlake was trained as an historical painter and initially had ambitions to revivify the English school of painting. Having spent his formative years in Rome, where he developed ideas about the practice and theory of painting, he returned to London in 1830. He first made his mark as a painter of genre scenes, idealising portraits and religious subjects. He was elected President of the Royal Academy in 1850, and helped modernise the institution. Yet Eastlake’s most important contributions came as a writer, translating and editing seminal art-historical texts, and as an arts administrator, in which capacity he rose to become Director of the National Gallery from 1855 to 1865. During his time at the National Gallery, Eastlake transformed the way the Gallery was run. He also established policies for the acquisition and display of paintings, many of which are still in place today. His purchase of an astonishing 139 masterpieces, mostly acquired during his annual continental tours, include some of the Gallery’s best-loved Italian Renaissance pictures, such as Uccello’s Battle of San Romano and Giovanni Bellini’s Madonna of the Meadow. The exhibition features material from the National Gallery’s archive shown alongside some of Eastlake’s key acquisitions for the collection.

Hermitage (San Petersburgo)
Painting and Sculpture in Rome in the second part of the 18th century
24 de junio - 2 de octubre de 2011

The exposition will present 48 pictures and 26 sculptures from the collection of the State Hermitage, the State Russian Museum, the State Museum-Preserves "Gatchina" and "Pavlovsk". The exposition held in the crisscross year of Italy in Russia and Russia in Italy acquaints the observer with remarkable works from collections of Russian museums and gives a chance to see a true value of art flourishing in Rome in the second part of the 18th century. In the 1760s in Rome the artistic overturn began, related to development of neoclassic style and very soon taking over all European countries. It was preconditioned, on the one hand, by striving of masters to find some new forms and, on the other hand, by major discoveries in the area of Antique archeology, acquainting the world with early unknown works of ancient art. Thanks to this in "the Eternal City" an international circle of artists, architects, antiquarians and archeologists who were united by common outlook on the antiquity as a model. This circle included painters: the Italians: Giovanni Paolo Pannini and Pompeo Batoni, the Germans: Anton Raphael Mengs and Jacob Philipp Hackert, the Frenchmen: Hubert Robert and Jacques Louis David as well as sculptors: the Italians: Bartolomeo Cavaceppi, Karlo Albacini and later- Antonio Canova, the British men: Joseph Nollekens and Christopher Hewetson, the Swiss: Alexander Trippel. Although all of them worked in their individual manner and genre common features of their works may be distinguished.

Bode-Museum (Berlín)
Renaissance Faces. Masterpieces of Italian Portraiture
25 de agosto - 20 de noviembre de 2011

The Gemäldegalerie and the Metropolitan Museum of Art in New York have undertaken a landmark project tracing the development of the Italian portrait in the fifteenth century. In Berlin the event takes place in the beautifully restored Bode-Museum, it is subsequently on view at the Metropolitan Museum. The show is placed under the auspices of the Foreign Office of the Federal Republic of Germany. In portraiture sometimes the principal motive is simply to preserve a likeness-a record or memory of the salient traits of an individual. At other times social rank, marital status or dynastic or generational relationships are suggested by adherence to a convention, type of dress, or the inclusion of various emblems or attributes. Italian portraiture evolves in the shadow of classical models, but it is no less aware of the innovations and powerful naturalism of the great painters of the Netherlands. It is informed by humanist discussions about the individual, but also by an acute sense of social hierarchy and by a poetics of beauty that frequently transformed female sitters into and idealized likeness. Exploring the rise and the development of the individual portrait thus means dealing with a complex story, the character of which changes depending on where one is and when. The show will focus on the complex history of the portrait in Florence from Donatello and Masaccio down to Verrocchio and Botticelli; it will study portraiture at the courts of northern Italy, from Pisanello to Mantegna and Francesco Laurana as well as the development of portraiture in Venice from Giambono to Antonello da Messina, Bellini and the Lombardi.

La fotografía, por Charles Baudelaire

2011-07-19T13:00:00.010+02:00

Charles Baudelaire (1821-1867), a parte de poeta, fue crítico de arte. Sus escritos sobre arte y sus comentarios sobre algunos de los salones que se llevaban a cabo cada año en la Academia francesa, pueden leerse en una completa edición publicada por Antonio Machado Libros que lleva por título "Salones y otros escritos sobre arte". En el Salón de 1859 (publicado en julio del mismo año en la Revue Française), Baudelaire escribió un capítulo dedicado a la fotografía. La fotografía había nacido en Francia hacia 1839, gracias a la invención del daguerrotipo. Con este sistema, que consistía en la obtención de la imagen deseada sobre una superficie de plata pulida, empezó a difundirse, y a perfeccionarse, esa nueva manera de mostrar la realidad. ¿Qué representó la fotografía para las demás artes existentes, principalmente para la pintura? Baudelaire se mostró muy crítico con ella y, como muchos de sus contemporáneos, pensó que no podía ser considerada una arte, sino que debía ser su complemento. He aquí sus propias palabras:

En esos días deplorables, una industria nueva se dio a conocer y contribuyó no poco a confirmar la fe en su necedad y a arruinar lo que podía quedar de divino en el espíritu francés. Esta multitud idólatra postulaba un ideal digno de ella y apropiado a su naturaleza, eso por supuesto. En materia de pintura y de estatuaria, el Credo actual de las gentes de mundo, sobre todo en Francia (y no creo que nadie se atreva a afirmar lo contrario), es éste: "Creo en la naturaleza y no creo más que en la naturaleza (hay buenas razones para ello). Creo que el arte es y no puede ser más que la reproducción exacta de la naturaleza (una secta tímida y disidente quiere que se desechen los objetos de naturaleza repugnante, como un orinal o un esqueleto). De este modo, la industria que nos daría un resultado idéntico a la naturaleza sería el arte absoluto". Un Dios vengador ha atendido a los ruegos de esta multitud. Daguerre fue su Mesías. Y entonces se dice: "Puesto que la fotografía nos da todas las garantías deseables de exactitud (eso creen, ¡los insensatos!), el arte es la fotografía". A partir de ese momento, la sociedad inmunda se precipitó, como un solo Narciso, a contemplar su trivial imagen sobre el metal. Una locura, un fanatismo extraordinario se apoderó de todos esos nuevos adoradores del sol. Se produjeron extraños horrores. Asociando y agrupando a truhanes y truhanas, emperifollados como los matarifes y las lavanderas en el Carnaval, rogando a esos héroes que quisieran mantener, durante el tiempo necesario para la operación, su mueca de circunstancia, se deleitaban reproduciendo las escenas, trágicas o graciosas, de la historia antigua. Algún escritor demócrata ha debido encontrar el medio, barato, de difundir entre el pueblo el gusto por la historia y por la pintura, cometiendo así un doble sacrilegio e insultando a un tiempo a la divina pintura y al arte sublime del comediante. Poco tiempo después, millares de ojos ávidos se inclinaban sobre los agujeros del estereóscopo como sobre los tragaluces del infinito. El amor a la obscenidad, que es tan vivaz en el corazón natural del hombre como el amor a sí mismo, no dejó escapar tan buena ocasión de satisfacerse. Y no se diga que los niños que regresaban de la escuela eran los únicos en disfrutar de esas tonterías: suscitaron el entusiasmo de todos. He oído a una hermosa dama, una dama de la buena sociedad, no de la mía, contestar a los que le ocultaban discretamente semejantes imágenes, encargándose así de sentir el pudor en su lugar: "Dénmelo, no hay nada demasiado fuerte para mí". Juro haberlo oído, pero ¿quién me creerá? "¡Ya ven lo que son las grandes damas!" dice Alexandre Dumas. "¡Las hay más grandes todavía!", dice Cazotte.

Como la industria fotográfica era el refugio de todos los pintores fracasados, demasiado poco capacitados o demasiado perezosos para acabar sus estudios, ese universal entusiasmo no sólo ponía de manifiesto el carácter de la ceguera y de la imbecilidad, sino que también tenía el color de la venganza. Que tan estúpida conspiración, en la que se encuentran, como en todas las demás, los embaucadores y los embaucados, pueda triunfar de una manera absoluta, no puedo creerlo, o al menos no quiero creerlo; pero estoy convencido de que los progresos mal aplicados de la fotografía han contribuido mucho, como por otra parte todos los progresos puramente materiales, al empobrecimiento del genio artístico francés, ya tan escaso. Por más que la fatuidad moderna ruja, eructe todos los exabruptos de su tosca personalidad, vomite todos los sofismas indigestos de los que la ha atiborrado hasta la saciedad una filosofía reciente, cae de su peso que la industria, al irrumpir en el arte, se convierte en la más mortal enemiga, y que la confusión de funciones impide cumplir bien ninguna. La poesía y el progreso son dos ambiciosos que se odian con un odio instintivo, y, cuando coinciden en el mismo camino, uno de los dos ha de valerse del otro. Si se permite que la fotografía supla al arte en algunas de sus funciones pronto, gracias a la alianza natural que encontrará en la necedad de la multitud, lo habrá suplantado o totalmente corrompido. Es necesario, por tanto, que cumpla con su verdadero deber, que es el de ser la sirvienta de las ciencias y de las artes, pero la muy humilde sirvienta, lo mismo que la imprenta y la estenografía, que ni han creado ni suplido a la literatura. Que enriquezca rápidamente el álbum del viajero y devuelva a sus ojos la precisión que falte a su memoria, que orne la biblioteca del naturalista, exagere los animales microscópicos, consolide incluso con algunas informaciones las hipótesis del astrónomo; que sea, por último, la secretaria y la libreta de cualquiera que necesite en su profesión de una absoluta exactitud material, hasta ahí tanto mejor. Que salve del olvido las ruinas colgantes, los libros, las estampas y los manuscritos que el tiempo devora, las cosas preciosas cuya forma va a desaparecer y que piden un lugar en los archivos de nuestra memoria, se le agradecerá y aplaudirá. Pero si se le permite invadir el terreno de lo impalpable y de lo imaginario, en particular aquel que sólo vale porque el hombre le añade su alma, entonces ¡ay de nosotros!

Charles Baudelaire
Salones y otros escritos sobre arte
Antonio Machado Libros
pp. 231-233

John Constable

2011-07-17T15:07:00.009+02:00

John Constable (1776-1837) es uno de mis pintores favoritos. Como algunos sabréis, el paisaje es el género pictórico que más aprecio y el que me produce más satisfacción cuando lo contemplo. Los paisajes de Constable me parecen extraordinarios: transmiten la calma y la belleza de las zonas rurales que se extendían alrededor de la región de Suffolk, Inglaterra -lugar donde nació el pintor-. Constable supo mostrar en sus cuadros el amor que sentía por su tierra y representó lugares agradables y encantadores que se relacionaban directamente con sus experiencias personales. Hoy en día es considerado, junto a J.M.W. Turner, uno de los máximos representantes del paisajismo inglés (buena parte de su obra puede encontrarse en el Victoria & Albert Museum de Londres). Para saber un poco más de su vida, os copio el fragmento que aparece en el siempre útil "Diccionario de arte", de Ian Chilvers:

Pintor inglés considerado, como Turner, uno de los más grandes paisajistas británicos. A pesar de que mostró precozmente su talento artístico, habiendo comenzado a pintar escenas de su Suffolk natal antes de acabar la escuela primaria, su gran originalidad maduró con lentitud. No se dedicó seriamente a su carrera artística hasta 1799, cuando ingresó en las Escuelas de la Royal Academy, y hasta 1829 no adquirió plenamente el grado de académico, para el que fue elegido con grandes dificultades por mayoría de un solo voto. En 1816, la muerte de su padre le proporcionó una posición económica desahogada, y se casó con Maria Bicknell, con la que había mantenido relaciones durante siete años a pesar de una fuerte oposición por parte de la familia de ella. Durante la década de 1820 comenzó a conseguir cierto reconocimiento: ganó una medalla de oro en el Salón de París de 1824 con La carreta de heno, siendo admirado por Delacroix y Bonington, entre otros. Desde este momento, sus pinturas comenzaron a venderse modestamente. Sin embargo, su esposa murió en 1828, y el resto de su vida transcurrió ensombrecido por la depresión y el desaliento.

Tras haber pasado algunos años trabajando en la tradición del paisaje pintoresco y el estilo de Gainsborough, Constable desarrolló su peculiar estilo a partir de la intención de reproducir un escenario más directo y realista, retomando y modificando según un punto de vista individual la tradición hereada de Ruysdael y los paisajistas holandeses del siglo XVII. Al mismo tiempo que su contemporáneo William Wordsworth rechazaba lo que denominó la "dicción poética" de sus predecesores, Constable se alejaba de las con venciones pictóricas de los paisajistas del siglo XVIII. Constable pensaba que "no hay dos días iguales, ni siquiera dos horas; ni han existido jamás dos hojas de un árbol iguales desde la creación del mundo"; así pues, representaba, de forma completamente nueva entonces, los efectos atmosféricos de los cambios de luz al aire libre, el movimiento de las nubes en el cielo, deleitándose en estos fenómenos con un sentimiento que provenía de su profundo amor a la naturaleza. Nunca estuvo en el exranjero, y sus mejores obras reflejan los lugares que más amaba y mejor conocía, especialmente Suffolk y Hampstead, donde vivió desde 1821. Para obtener los efectos de atmósfera y luces cambiantes, abandonó la técnica tradicional de buen acabado, captando la luz del sol con toques de blanco o amarillo puros, y el dramatismo de la tempestad con una pincelada rápida e innovadora.

Entre aquellos de sus contemporáneo s que aplaudieron la frescura de la propuesta de Constable, puede destacarse a Henry Fuseli. Constable trabajó constamente al aire libre, tomando apuntes al óleo, aunque realizaba en el estudio los cuadros definitivos. Para sus obras más ambiciosas -"las de seis pies", como él las llamaba-, seguía un insólito procedimiento técnico consistente en la realización de un boceto al óleo al tamaño definitivo; en el siglo XX se han llegado a apreciar estos apuntes incluso más que las obras acabadas, debido a su libertad y frescura de su pincelada. En Inglaterra , Constable no tuvo sucesor; sus numerosos imitadores (y entre ellos, su hijo Lionel) se centraron en el formalismo compositivo y no en los apuntes directos. Sin embargo, en Francia ejerció una influencia determinante entre los románticos, como Delacroix; en los pintores de la Escuela de Barbizon y, en última instancia, en los impresionistas.

Golding Constable's Flower Garden Golding
Constable's Kitchen Garden

L’inauguration du pont de Waterloo
Salisbury Cathedral

The Hay Wain (considerada su obra maestra)
A Boat Passing a Lock

Hadleigh Castle

Hampstead Heath

Malvern Hall, Warwickshire
Marine Parade and Old Chain Pier

Parham's Mill, Gillingham, Dorset
Rainstorm over the Sea

Salisbury Cathedral from Lower Marsh Close
Salisbury Cathedral from the Meadows

Stratford Mill
The Bridge of Harnham and Salisbury Cathedral

The Entrance to Fen Lane
The Leaping Horse

Trees on Hampstead Heath at Sunset
The Mill Stream

View of Salisbury
Wooded Landscape with a ploughman

Wivenhoe Park, Essex
Weymouth Bay with Jordan Hill

View from Highgate Hill

Exposiciones temporales actuales (V)

2011-07-12T12:08:00.003+02:00

Museu Picasso (Barcelona)
Devorar París. Picasso, 1900-1907
1 de julio - 16 de octubre de 2011

La exposición "Devorar París" ofrece una mirada a la evolución de Picasso desde la llegada del artista a esta ciudad en 1900 y su descubrimiento de una floreciente comunidad internacional de artistas, hasta 1907-1908 cuando alcanzó notoriedad como principal representante de la vanguardia en la capital francesa. Ver por vez primera obras de pintores y escultores de la talla de Van Gogh, Gauguin, Puvis de Chavannes, Toulouse-Lautrec, Rodin y Steinlen fue toda una revelación para Picasso y una inspiración a la que se mostró de inmediato sensible como demuestran su exploración de nuevas técnicas pictóricas y gráficas y el empeño que puso en abordar nuevos temas basados en sus propias experiencias ante la vida y el arte moderno. Algunos críticos tacharon a Picasso de imitador de las obras de artistas que descubrió en su primer viaje a París; ahora podemos ver lo desacertado de este juicio. Aunque Picasso no renunció a apropiarse de los hallazgos de sus contemporáneos o de los que descubrió en la historia del arte para forjar su propio estilo, lo cierto es que nunca fue un imitador. En 1907 Picasso ya era un artista mundialmente reconocido, pero durante toda su carrera utilizó los mismos métodos de trabajo y experimentación. La actual exposición permite apreciar este hilo conductor.

Museo Thyssen Bornemisza (Madrid)
Antonio López
28 de junio - 25 de septiembre de 2011

La última retrospectiva de la obra de Antonio López tuvo lugar en 1993. En las dos décadas transcurridas desde entonces, el artista ha seguido evolucionando y ha producido algunas de sus mejores obras maestras. El propósito de esta exposición es mostrar al público esa producción reciente y a partir de ella reinterpretar la carrera anterior del artista. Muchas de las obras que se reúnen en esta exposición proceden de colecciones particulares, en su mayor parte españolas y, entre ellas, la del propio artista con un buen número de obras inéditas, algunas en proceso de trabajo; pero también hay préstamos destacados de museos como el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Bellas Artes de Bilbao, el Centre Georges Pompidou de París, el Hamburger Kunsthalle de Hamburgo o el Museum of Fine Arts de Boston, entre otros. La muestra se completa con la proyección en una de la salas de dos documentales elaborados específicamente para la ocasión con imágenes del trabajo de Antonio López más reciente, tanto en su estudio como en exteriores, así como diversas entrevistas a personas próximas a él.

El Prado (Madrid)
Roma. Naturaleza e Ideal (Paisajes 1600-1650)
5 de julio - 25 de septiembre de 2011

Hasta finales del siglo XVI, los paisajes fueron considerados un género menor por parte de los teóricos del arte y en ocasiones fue tratado como una especialidad relegada a los pintores que llegaron a Italia desde el norte de Europa. En Roma coincidieron diferentes tradiciones que durante el siglo XVI habían constituido las tendencias más significativas de este género pictórico: los paisajes arqueológicos de Polidoro da Caravaggio y Rafael, así como los fondos más naturalistas y poéticos de obras de Giorgione o Tiziano, que algunos de los grandes coleccionistas romanos mostraban con orgullo. Fue Aníbal Carracci quien elaboró el prototipo del paisaje armónicamente estructurado, que a finales del siglo XVII mereció el calificativo de clásico. El ejemplo de Carracci fue posteriormente desarrollado por sus discípulos boloñeses, como Domenichino o Francesco Albani, quienes enriquecieron el género con referencias literarias. Paul Bril, por otro lado, aportó la creación de variantes como el paisaje marino, pequeñas escenas de género o paisajes con topografía precisa. De esta manera, él y otros artistas procedentes de Amberes, como Jan Brueghel o Sébastien Vrancx, modernizaron en Roma la tradición de la pintura de Amberes del siglo XVI a través del contacto con el paisaje italiano.

Dulwich Picture Gallery (Dulwich, South East London)
Cy Twombly and Nicolas Poussin
29 de junio - 25 de septiembre de 2011

A unique exploration of contemporary artist Cy Twombly (April 25 1928 - 5 July 2011) and 17^th century classical painter Nicolas Poussin (1594 -1665). This exhibition will look at these two figures side by side for the first time. Separated by three centuries the two artists nonetheless share remarkable similarities. The connections are highlighted through the key themes of Arcadia and the pastoral, Venus and Eros, anxiety and theatricality and mythological figures that are central to both artists' work. The exhibition will be accompanied by the British premiere of Tacita Dean's new 16mm film portrait of Cy Twombly, Edwin Parker (2011). As part of the exhibition, the Gallery is also extremely fortunate to have the opportunity to display Poussin's Seven Sacraments painted between 1637 and 1642 for his Roman friend and patron Cassiano dal Pozzo. As a set, Poussin’s Sacraments represent a high point in Western European art.

Barbican Centre (Londres)

Watch Me Move: The Animation Show
15 de junio - 11 de septiembre de 2011

Tracing the history of animation over the last 150 years, Watch Me Move: The Animation Show brings together for the first time, over one hundred films by contemporary artists, cut-out, collage, puppet, clay and stop-motion animators, auteur filmmakers and exponents of experimental film alongside the creative output of the commercial studios. Popular favourites by Walt Disney, Aardman, Studio Ghibli and Pixar, shown alongside lesser known pioneering works by cult figures such as Lotte Reiniger, Ray Harryhausen , Jan Švankmajer and the Brothers Quay. Betty Boop, Mickey Mouse, The Hulk and The Simpsons are explored alongside the heroes of Japanese anime and manga.

National Gallery (Londres)
Devotion by Design: Italian Altarpieces before 1500
6 de julio - 2 de octubre de 2011

As part of a programme of summer shows focusing on the National Gallery’s collection, ‘Devotion by Design’ explores the function, the original location, and the development of altarpieces in Italy during the late Middle Ages and the early Renaissance. These objects furnished altars in churches and were not originally intended to hang in a gallery as we see them today. Instead, they were created for a specific sacred context, forming the focus of devotion for worshippers. Using the Gallery’s own collection, this exhibition investigates the development of altarpieces, looking at changes in form, style and type. It examines not only the evolution of their physical structure but also their relationship to their frames and to the monumental architecture that surrounded them. A small section of ‘Devotion by Design’ will be dedicated to altarpiece fragments, explaining the role different elements of altarpieces played in the overall ensemble. The exhibition examines the reasons why altarpieces came to be dismembered (often with the dissolution of religious institutions in the 18th and 19th centuries) and the methods that art historians now use to reassemble them.

Metropolitan (Nueva York)
Frans Hals in the Metropolitan Museum
26 de julio - 10 de octubre de 2011

The Metropolitan Museum of Art holds the most important collection of paintings in America by the celebrated Dutch artist Frans Hals (1582-1666), whose portraits and genre scenes were famous in his lifetime for their immediacy and dazzling brushwork. This exhibition will present thirteen paintings by Hals, including two lent from private collections, and several works by other Netherlandish masters. Several of the Museum's paintings by Hals are famous, especially the early Merrymakers at Shrovetide and the co-called Yonker Ramp and his sweetheart, both bequeathed to the Museum by Benjamin Altman in 1913. Alson included in the exhibition will be two loans from private collections in New York -the small, exquisite Portrait of Samuel Ampzing, on copper, and the well-kwnon Fisher Girl. A selection of other Dutch paintings from the Museum's collection and a few engravings will set Hals's work in the context of his native Haarlen amd will help clarify how exceptional his animated poses and virtuoso brushwork were at the time. A portrait by Manet, inspired by Hals, will also demonstrate how strongly Hals anticipated impressionist efffects.

Belvedere (Viena)
Josef Danhauser. Pictorical Narratives
22 de junio - 25 de septiembre de 2011

The focus of this exhibition is on Josef Danhauser (1805-1845), the storyteller. Danhauser was unrivalled when it came to translating the content of literary text, be it of a historical, religious, or purely narrative nature, into pictorial ‘language’. Spectators are thus enabled to extract entire stories from his pictures, provided that they are willing to look closely. Gestures, facial expressions, and movements are the vehicle of these pictorial narratives; there is a lot of humour and daring satire behind them, while they particularly rely on the close observation of people and the capability of visualising minor human flaws in a pointed or maybe even exaggerated manner. William Hogarth’s series The Rake’s Progress and Marriage à la mode, with their narrative wealth, rich allusions, and sharp wit, had a great impact on Josef Danhauser. Danhauser was to refer to them throughout his life, using his models in a subtle and discrete manner for his own compositions. They provided the basis of his most important works, such as The Rich Debaucher, The Soup for the Poor, and The Reading of the Will.

Gustave Courbet, El desesperado

2011-07-06T20:41:00.002+02:00

Esta tarde he ido a ver la exposición Realismo(s). La huella de Courbet, en el Museu Nacional d'Art de Catalunya (Barcelona). Se expone una pintura de Courbet que me ha impresionado: El desesperado. Se trata de un autorretrato del artista en un momento de crisis personal o, como han interpretado otros, el estudio de una cabeza expresiva, imagen del genio loco y atormentado.

Esta reproducción es, quizá, la que más se aproxima al original.

Gustave Courbet
Autorretrato (El desesperado)
(1845) [Colección privada]

Los Tres Mosqueteros, de Alexandre Dumas

2011-07-05T15:47:00.002+02:00

Ya está disponible en La Espada en la Tinta mi nueva reseña. En esta ocasión, os traigo todo un clásico de las novelas de aventuras, Los Tres Mosqueteros:

Los Tres Mosqueteros es un gran clásico de la literatura universal o, más concretamente, una extraordinaria novela de aventuras. Desde su publicación hasta nuestros días ha gozado de una inmensa popularidad, en parte gracias a las diversas adaptaciones cinematográficas que se han hecho sobre ella. Quién no habrá disfrutado compartiendo las vicisitudes del inquieto gascón d'Artagnan y de sus compañeros Athos, Porthos y Aramis; quién no hubiera querido ser un poco más intrépido, más audaz, más emprendedor, como sus protagonistas; y, en definitiva, a quién no le hubiera gustado ser la inocente, pero arriesgada dama por la que suspiraba el joven d'Artagnan. Si una cosa hace grande a una novela esa es su capacidad de hacer que el lector se sumerja plenamente en ella: os puedo decir, sin duda alguna, que Los Tres Mosqueteros lo consigue.

Los Tres Mosqueteros es una novela escrita por Alexandre Dumas padre (1802-1870), publicada por primera vez entre marzo y julio de 1844 en la revista Le Siècle. El autor se basó en unos manuscritos que encontró en la Biblioteca real, que llevaban por título las "Mémoires de M. d'Artagnan", escritas por Gatien de Courtilz y publicadas treinta años después de su supuesto autor, en 1700. En ellos se describía, a modo de semi-ficción, la vida del mosquetero d'Artagnan -existió realmente un d'Artagnan histórico, hijo de una familia noble, los Batz de Castelmore- y las intrigas y los engaños políticos en la época de Luis XIII. Alexandre Dumas tomó como base para su historia estas memorias y las adornó con grandiosas hazañas. Aunque muchos de los hechos históricos que aparecen en la novela son verídicos, y se corresponden con la época en que sucedieron, también hay otros -bastantes- que se presentan como anacronismos. Por ello, debemos leer este relato como una historia ficticia con un cariz de realidad.
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Nastagio degli Onesti: De Boccaccio a Botticelli (III)

2011-06-29T15:46:00.001+02:00

Las escenas representadas en las cuatro pinturas siguen fielmente -aunque con algunas excepciones que ahora veremos- la narración de Boccaccio. Botticelli y sus ayudantes intentaron aportar una visión de conjunto, escenificando los momentos más significativos del relato y adaptando, al estilo del pintor y al gusto de la época, la fisonomía y las ropas de todos los personajes.

Cuadro I

El primer cuadro de la serie representa el momento más álgido de toda la narración: al trasladarse a la ciudad de Classe, por consejo de sus amigos, Nastagio intenta rehacerse de su desengaño amoroso. Un día que pasea melancólico por un pinar de la localidad, pensando en sus desafortunados amores con la hija de Paolo Traversari, se le aparece, de repente, una joven desnuda que está siendo perseguida por un caballero. Los perros la muerden ferozmente, a pesar de los intentos de Nastagio de evitarlo. El caballero, enfurecido, le reprocha a Nastagio su intervención y le cuenta cómo, rechazado por esa mujer, se había suicidado.

Nastagio degli Onesti (I)
(1483)
[Museo del Prado]

Botticelli optó por una composición tripartita que relata, de manera correlativa, tres escenas diferentes: a la izquierda observamos a los amigos de Nastagio que hablan ante los pabellones que han traído de Rávena -le advierten al protagonista que se animaría si fuera a dar una vuelta-; inmediatamente, vemos una nueva escena, la de Nastagio melancólico y pensativo paseando por el pinar; en la tercera, situada en el centro de la composición, se nos aparece la visión de la mujer perseguida por el caballero y los perros, y el intento de Nastagio de ayudarla. Podemos comprobar como esta escena se ubica en un lugar preeminente: la fisonomía de la mujer atrae la mirada del espectador. Ante esta imagen, las otras escenas que se representan parecen no cobrar importancia, pues la fuerza y el gesto de la mujer es tal que domina toda la estructura del cuadro. En este aspecto, Botticelli parece haber conseguido transmitir a la perfección la trascendencia de la visión de la mujer perseguida que Boccaccio relata en su novella. Encontramos tan sólo un par de diferencias; una de ellas bastante significativa: Boccaccio nos habla de un caballero de armadura oscura montado sobre un caballo negro y acompañado de dos perros de piel oscurecida, denotando así la procedencia infernal de la aparición. En la pintura, en cambio, se ha optado por representar al caballo y al perro de color blanco, sacrificando así la simbología por la estética. El pinar ya otorgaba a la composición un aspecto apagado; si se hubiera representado al personaje del caballero con un tono más oscuro, el resultado final hubiera sido poco distinguible. De esta manera, el conjunto tenía un aspecto más luminoso y clarificador. Por otra parte, la mujer no aparece completamente desnuda, tal y como nos cuenta Boccaccio, sino que aparece tapada con un mantel fino y casi transparente. Eso responde estrictamente al gusto y al decoro de la época.

Cuadro II

El segundo cuadro representa la continuación inmediata del anterior: Nastagio se horroriza al ver que el caballero, desmontando, arranca el corazón y las entrañas de la joven para dárselas a los perros, que las devoran intensamente.

Nastagio degli Onesti (II)
(1483)
[Museo del Prado]

«Se echó como un perro rabioso con el estoque en la mano sobre la joven, que arrodillada y sujeta con fuerza por los dos mastines le pedía a gritos piedad, y con todas sus fuerzas la hirió en medio del pecho y la atravesó de parte a parte. Cuando la joven hubo recibido este golpe, cayó de inmediato de bruces sin dejar de llorar y gritar, y el caballero, echando mano a un cuchillo, la abrió por la espalda, y sacándole el corazón y todo lo demás de alrededor, se lo echó a los dos mastines, que muy hambrientos se lo comieron rápidamente»

En este caso, se representan dos escenas diferentes: por un lado, en primer plano, centrado y de manera destacada, vemos a Nastagio con la cara desencajada, llena de horror y consternación, debido a los atroces actos del caballero que, sin ningún tipo de compasión, abre la espalda de la mujer para extraer sus entrañas; en el extremo derecho, podemos ver cómo los perros ya disfrutan de este suculento manjar. Por otra parte, en el fondo de la composición se repite de nuevo la escena de cacería y muerte, dándonos a entender que la pareja está condenada a reiterar continuamente esta maldición.

Estilísticamente, podemos comprobar cómo difiere del primer cuadro. En este caso, las líneas tienen un tratamiento más elegante y ornamental; y el paisaje, a pesar de compartir el mismo escenario, es diferente: las dos tienen el mismo mar de fondo, pero en la primera pintura abundan las montañas, y en la segunda se ha optado por la representación de una ciudad, con edificios urbanos de tipo gótico, muy inspirado en los típicos paisajes que aparecen en las pinturas flamencas. Esto demuestra, una vez más, que la serie no fue pintada por un mismo autor, sino que intervinieron diversas manos. Es en este cuadro donde deberíamos buscar más la participación de Botticelli.

Cuadro III

El tercer cuadro se sitúa una semana después de la visión acontecida a Nastagio. La presencia de aquellas ánimas había hecho que al joven se le ocurriera un plan: convocar un banquete en el mismo lugar del pinar donde había aparecido la visión. Nastagio sabe con toda seguridad que las figuras infernales volverán a aparecer; y así es: cuando los comensales están a punto de finalizar los postres se reproduce la visión. Los invitados se agitan nerviosos y reaccionan de diversas maneras ante la presencia de la mujer desnuda y del caballero, mientras Nastagio intenta tranquilizarlos, explicándoles el misterio que han presenciado. La joven Traversari, muy asustada por lo que acaba de ver, y temiendo un destino similar, le acaba otorgando su amor a Nastagio.

Nastagio degli Onesti (II)
(1483)
[Museo del Prado]

Compositivamente, se representan dos escenas: alcanzando prácticamente todo el lienzo, se ubica la escena del banquete y la aparición en un primer plano. Podríamos decir que este episodio está compuesto por tres planos en horizontal -Nastagio y los aparecidos, los comensales dispuestos alrededor de la mesa, y el paisaje de fondo con los pinos, el mar, los barcos, las montañas y los escudos de las tres familias: los Pucci, los Bini y los Médicis-. Al fondo a la derecha observamos otra escena: en las tiendas, donde hay los criados y el caballo, está la criada de la hija de Paolo Traversari que habla con Nastagio para darle el consentimiento de su señora.

En la mesa podemos ver el retrato de Antonio Pucci, sentado y vestido de negro en un extremo. Bajo el escudo de los Médicis, se representa a Paolo Traversari; y a la izquierda -en un lugar preeminente y estratégico para observar mejor la visión-, levantada y vestida de blanco, a su hija, la enamorada de Nastagio. Vemos también cómo los árboles que se alzaban en un estricto primer plano han sido talados para disponer la mesa y no interrumpir la vista del espectador hacia la escena que se está llevando a cabo. En esta representación, así como en la siguiente, podemos apreciar la moda del Quattrocento. En este sentido, esta adaptación es también una buena muestra gráfica para el estudio del vestido en esta época.

Cuadro IV

El último cuadro es el que se aleja más de Boccaccio: representa el banquete nupcial de Nastagio con la hija de Paolo Traversari, momento que no figura en el relato del Decamerón, aunque se alude a él. Aquí, el pinar ha desaparecido por completo; no figuran ni los árboles, ni las montañas, ni la lejana ciudad que aparece al fondo de los dos cuadros anteriores. Esta ambientación ha sido sustituida por una arquería con columnas, muy típica de las loggia florentinas, y el arco de Constantino, que cierra la composición simbolizando el triunfo del enlace entre las dos familias.

Nastagio degli Onesti (IV)
(1483)
[Propiedad privada]

En esta pintura volvemos a encontrar a los familiares y a los principales protagonistas del relato, identificados por el color de sus vestidos, sentados de manera ordenada en el momento de servir los postres -vemos a los criados que se aproximan por los extremos llevando los platos-. La escena constituye un típico banquete aristocrático: todo está dispuesto en orden, las ropas son ricas y espléndidas, y los manjares demuestran la abundancia y la ostentación de estas poderosas familias florentinas. A la izquierda, podemos ver a Nastagio ofreciendo vino a su esposa, que está rodeada de sus amigas; a la derecha, se representaría de nuevo a Antonio Pucci y a Paolo Traversari.

Para más información (bibliografía consultada):

Bellosi, L., Folchi, M. «Sandro Botticelli y colaboradores. Historias de Nastagio degli Onesti»: Colección Cambó, cat. exp., Madrid: Museo del Prado; Barcelona: MAC, 1990, pp. 211-222.
Boccaccio, Giovanni. «Nastagio de los Onesti»: Decamerón, Madrid: Cátedra, 2001.
Cast, David. «Boccaccio, Botticelli y la historia de Nastagio degli Onesti»: Historias Inmortales, Barcelona: Galaxia Gutemberg, 2002, pp. 71-85.
Finaldi, Gabriele, Garrido, Carmen. «La historia de Nastagio degli Onesti, cuadro III, el Banquete en el Pinar (1483)»: El trazo oculto. Dibujos subyacentes en pinturas de los siglos XV y XVI, cat. exp., Madrid: Museo Nacional del Prado, 2006, pp. 138-147.

Nastagio degli Onesti: De Boccaccio a Botticelli (II)

2011-06-28T19:53:00.011+02:00

Significado de la obra

La novella de Nastagio degli Onesti contiene una clara moralina final a modo de ejemplo: las mujeres no pueden negarse nunca a las pretensiones de aquellos que las cortejan; deben desterrar toda crueldad de sus corazones porque, si no lo hacen, serán castigadas. Aunque es una historia de amor cortés con final feliz, Boccaccio deja claro, al finalizar el relato, que sólo Nastagio vivió feliz tras la boda. Este hecho demuestra claramente cómo estaban de sometidas las mujeres a finales de la época medieval y del Renacimiento: la esposa estaba siempre obligada a acceder a las peticiones de su marido, a complacerlo en todo lo que él le pidiera y a someterse a los dictados de su familia. Precisamente, los cuadros de Botticelli servirían para reforzar este mensaje: simbolizarían el matrimonio y "asegurarían la sumisión de Lucrezia a su marido y a las exigencias de la familia de éste". No es de extrañar que este tema tuviera una cierta popularidad durante el Quattrocento como decoración de cabeceras de cama o arcones nupciales -tema que ya explicaré más adelante-. Hay una clara utilización moral de la novella como enseñanza a los jóvenes esposos y, sobre todo, a la mujer, que debía quedarle claro que ahora estaba sometida a su marido. El cumplimiento, por parte de ella, de las obligaciones del matrimonio, queda reforzada en las pinturas de Botticelli -más que en el relato de Boccaccio- por la extrema violencia que aparece en ellas. De esta manera, se aseguraba, por el temor de la mujer, garantizar "la constancia y la fecundidad de la unión de las dos familias", así como reforzar los valores del deber familiar.

Tal y como aparece en numerosos escritos medievales, así como en la historia de Nastagio y en otras aparecidas en el Decamerón, la situación de la mujer no era para nada favorable. Predominaba la visión de la mujer pecadora, cruel, culpable de la desgracia de los hombres. En este caso, la mujer es la responsable de que el caballero, Anastagi, acabe suicidándose por un amor no correspondido. La mujer que es insensible al amor debe ser castigada e, incluso, tratada como una fiera: que la mujer del relato esté desnuda la equipara a los animales salvajes. Este tratamiento se puede ver claramente en diversas citas de la historia:

«Es una gran cobardía por parte de un caballero armado querer matar a
una mujer desnuda y echarle los perros tras ella como si fuera una fiera
salvaje»

«Tan cruel, dura y esquiva se le mostraba la jovencita amada, que tal
vez por su singular belleza o por su nobleza se había vuelto tan altiva y
desdeñosa que ni él ni nada que le gustase le gustaba»

«Nastagio, no te entrometas, deja que los perros y yo hagamos lo que esta
malvada mujer se ha merecido»

Por otra parte, Boccaccio establece una analogía entre dos de los protagonistas: Nastagio y Anastagio. Los dos, con unos nombres muy parecidos, han sido rechazados por una mujer; una mujer que siente la necesidad de no entregarse sexualmente a aquél que la requiere de amores. Poseen la misma condición social y provienen de la misma ciudad. La diferencia es que Anastagi, al no poder persuadir a la dama, acaba llevando a término el suicidio; Nastagio lo descarta. Como consecuencia, se han sentenciado sus destinos: el primero, condenado a repetir la brutal escena de cacería -el caballo negro, el vestido negro del caballero y la piel oscura de sus perros remarcan, a modo de símbolo, su procedencia infernal-; y el segundo, feliz por el éxito conseguido tras la visión.

Los símbolos no sólo se reducen a la vestimenta del caballero, sino que también encontramos otros de significativos: que el caballero extirpe el corazón de la dama y lo arroje a los perros es un símbolo de crueldad. En el corazón reside la insensibilidad de la dama; un lugar donde "jamás pudieron entrar ni amor ni piedad". Es aquí donde se ha acumulado todo el menosprecio, donde residen aquellos sentimientos que han herido al caballero. Extirparle el corazón es destruir el origen del mal.

Los pinos simbolizarían la inmortalidad y el más allá. Por este motivo, un pinar es el espacio más adecuado para que se produzca una visión que proviene del otro mundo. De hecho, tal y como recogen diversos autores, los viernes de primavera eran la época más propicia para las visiones. Así aparece en la literatura medieval: la visión era un género muy difundido en esta época; conectaba el mundo terrenal con el mundo sobrenatural en forma de imagen irreal o fantástica. Aquí, la visión, propiciada por la actitud melancólica de Nastagio, parece una escena real; un episodio que no parece surgido de la imaginación de Nastagio, sino que su escenificación lo convierte en un hecho verosímil, creíble ante los ojos de todos los que están presentes, ejerciendo en ellos una gran influencia -la visión se convierte en eficaz, tanto para las mujeres que la presencian como por las que leerían el relato-. Boccaccio busca la veracidad y la realidad, no sólo en este caso, sino también en el paisaje, en el nombre de las familias -todas las que aparecen habían existido realmente- o en la actitud de los comensales en el banquete del pinar.

Sandro Botticelli: las pinturas de Nastagio degli Onesti

Los cuadros pintados por Botticelli fueron encargados por Antonio Pucci (1418-1484) con la finalidad de conmemorar el enlace -celebrado entre finales de 1482 y principios de 1483- de Gianozzo di Antonio Pucci (1460-1497) y Lucrezia di Piero di Giovanni Bini (1467-1494), pertenecientes a dos prestigiosas familias florentinas: los Pucci y los Bini. Parece ser que el intermediario -mezzano, en italiano- de la boda entre las dos familias fue Lorenzo de Médicis (1449-1492), más conocido como Lorenzo il Magnífico, hijo de Piero de Médicis, prestigioso gobernante de la República florentina, poeta, filósofo, diplomático y gran mecenas de las artes.

Estas pinturas tenían que decorar la spalliera de una de las habitaciones del Palazzo Pucci, en concreto, la cámara nupcial de la pareja. Spalliera es una palabra italiana para designar la cabecera de la cama. El término se utilizó originalmente para describir una pieza de mobiliario pintado, muy frecuente en la Italia del Renacimiento y, sobre todo, en la Toscana del siglo XV. Por la forma y la medida de las pinturas de Botticelli, es probable que se pintaran para decorar las paredes de la estancia matrimonial y no para los cassone nupciales. Los cassone eran unos arcones, normalmente de madera, decorados con pinturas. Todos los aristócratas italianos de esa época poseían uno, pues era una de las piezas de mobiliario más importantes. Se regalaban a los novios durante su enlace y se colocaban en su habitación para guardar diversos bienes personales. Era natural, entonces, que la decoración de estas cassone conmemorase el matrimonio y sus deberes.

La ornamentación de una spalliera era un encargo menor, aunque a menudo estaban decoradas por los mejores pintores del momento: a principios de 1483, año en que fueron pintadas estas tablas, Botticelli ya era un pintor de prestigio -recordad que en este momento de máxima actividad, el pintor realizó obras tan famosas como "Palas y el Centauro" y "La Primavera"-. Parece probable que tuviera poco tiempo para realizar esta serie de cuadros, necesitando así la ayuda de colaboradores o de miembros de su taller. Sorprende también que Botticelli aceptara el encargo de una serie de pinturas para una spalliera, teniendo en cuenta el apogeo de su carrera y la calidad de género menor de este tipo de pintura. Según Gabriele Finaldi y Carmen Garrido, ésto se explicaría por "la especial relación entre el pintor y las familias Medici y Pucci".

Botticelli
La Primavera (1478)
[Galleria degli Uffizi, Florencia]

A partir de 1880 se puso en duda su autoría -la atribución de las obras ha sido ampliamente discutida por la crítica-: la participación de Botticelli en estas spalliere sería parcial. Se dice que diseñó la composición de las tablas y la ejecución de diversas figuras -como el Nastagio pensativo del primer cuadro-, pero la colaboración pictórica de Bartolomeo di Giovanni (1466-1524) en el primer y en el tercer cuadro; y de Jacopo del Sellaio (1441-1493) en el segundo y en el cuarto es evidente. Los dos pintores se relacionaban con el taller de Domenico Ghirlandaio (1449-1494) y estaban especializados, precisamente, en pintura de cassoni y spalliere. El debate sobre la atribución de esta serie se ha centrado en el análisis estilístico de la pintura: este análisis nos muestra las diferencias de ejecución pictórica entre las cuatro pinturas. Por ejemplo, el paisaje y los árboles, que aparecen en todos los cuadros, están pintados de formas diferentes, lo que hace pensar que ha intervenido más de una mano en la ejecución de esta serie. También las figuras del primer y del tercer cuadro parecen tener unos contornos más definidos que los del segundo, donde las pinceladas son más sueltas y densas. Es precisamente en este segundo cuadro, en las figuras y en los animales, donde debemos buscar la ejecución de Botticelli: las caras de Nastagio y de Guido se parecen mucho a las cabezas de la "Adoración del Lama" (1475) y de la "Adoración de los Reyes Magos" (1478), obras autógrafas del maestro italiano. Botticelli desarrolló un estilo muy personal, caracterizado por la elegancia del trazo, por la nitidez cromática, por la fuerza expresiva de las líneas y por la delicadeza de los rostros. En su estilo se nota la influencia de su maestro y contemporáneo, Filippo Lippi (1457-1504), y de ciertos elementos góticos, como la ornamentación y la gracia femenina.

La atribución de Bartolomeo di Giovanni en el tercer cuadro parece clara si nos fijamos en el estudio radiográfico de esta pintura: el análisis por infrarrojos dejaba ver el dibujo subyacente. El dibujo, de carácter grácil, de trazo nítido y elegante, dejaba entrever diversos cambios que se habían producido en el resultado final: la mano izquierda de la hija de Paolo Traversari estaba dibujada más alzada que en la forma pintada; la cara de Nastagio tenía dos perfiles dibujados; y la mujer desnuda giraba la cabeza, observando al perro negro que la estaba mordiendo. La escena de la derecha de la composición, donde aparece Nastagio con una criada y cuatro figuras, es la que sufrió más modificaciones: las caras dibujadas no se correspondían con el estilo de las cabezas pintadas; las primeras se vinculan estilísticamente a los dibujos que Botticelli realizó para ilustrar "La Divina Comedia", de Dante Alighieri; en cambio, las segundas poseen una tipología claramente atribuible a Bartolomeo di Giovanni, así como el paisaje, "más ghirlandaiesco que botticelliano es también típico de Bartolomeo". Podemos concluir, así pues, que la idealización y el dibujo subyacente corresponden a Botticelli, pero que la ejecución pictórica de este tercer cuadro la realizó Bartolomeo di Giovanni.

Botticelli
Adoración de los Reyes Magos (1482)
[National Gallery, Washington]

Nastagio degli Onesti: De Boccaccio a Botticelli (I)

2011-06-27T10:31:00.005+02:00

El Decamerón, de Boccaccio, ha sido, ya prácticamente desde su publicación, un referente del mundo literario. A lo largo de toda la historia ha habido obras que han marcado un período, ya sea por el tema que tratan, por sus personajes, por su ambientación, por su mensaje o, principalmente, por su innovación. Son obras que han sido admiradas, copiadas, criticadas, transmitidas de generación en generación y, sobre todo, adaptadas a otros medios artísticos. Muchos han sido los que se han visto influidos por las aventuras de un caballero, por los sufrimientos de una dama, por el ambiente cortés de un relato o por la narración de una extraordinaria batalla; pintores, escultores, orfebres o miniaturistas tomaron como base un episodio en concreto de alguna obra literaria antigua, o de su tiempo, para crear una obra maestra. De esta manera, lo que sólo podía ser transmitido con palabras, ahora llegaba a los ojos del pueblo de una manera visual, directa. No hacía falta saber leer ni escribir para entender una pintura. El ejemplo que se cita con más frecuencia son las adaptaciones de pasajes de la Biblia: con la intención de convertir e instruir a todos aquellos que no tenían acceso a una buena educación, la Iglesia ordenó la decoración de sus templos con escenas del Antiguo y del Nuevo Testamento. Dejando a un lado la polémica iconoclasta que surgió a causa de este hecho, la verdad es que fue una muestra más de las posibilidades que ofrecían las artes plásticas para adaptar episodios conocidos de un texto religioso. Evidentemente, las obras profanas también traspasaron el papel: podríamos citar los magníficos relieves que decoraban los templos clásicos con escenas extraídas de las tragedias griegas; o las imponentes esculturas de bronce que representaban a un héroe triunfante.

Basílica de San Marcos
Creación de Adán y Eva
[Venecia]

La Edad Media nos dejó, sobre todo, adaptaciones de tema religioso. Tendríamos que esperar al resurgimiento del mundo clásico en la Italia del siglo XV para encontrar un florecimiento de adaptaciones en pintura de tema diverso. El Decamerón se encontró en esa coyuntura, así como los centenares de temas mitológicos extraídos de los relatos clásicos que ahora experimentaban una recuperación. Era evidente que se había creado una nueva sensibilidad; y ésta se dejaba ver a través de la literatura, de la música y del arte. Las adaptaciones en pintura de obras literarias pasaban por un buen momento: muchos mecenas pedían a sus artistas -aún considerados unos artesanos- la realización de cuadros que representasen sus escenas predilectas. Así, pasarían a decorar las estancias de sus magníficos palazzos, ubicados en zonas preeminentes de la ciudad. Estas adaptaciones continuaron a lo largo del tiempo, pero sobre todo, y con mucha más intensidad, en el siglo XIX, cuando el sentimiento romántico se propuso la recuperación de los temas medievales; eso sí, pasados por el filtro de los años. El Romanticismo, que iba muy unido con el resurgimiento del sentimiento nacional, ajustó a la sensibilidad de su tiempo las antiguas leyendas medievales; y la pintura adaptó esta nueva adaptación, dejándonos muestras de una calidad extraordinaria. Escritores como Alfred Lord Tennyson, Lord Byron, Lord Dunsany, Arthur Conan Doyle, Samuel Taylor Coleridge o Walter Scott, para citar tan sólo algunos, exaltaron, a través de sus escritos, una Edad Media idealizada; y la pintura lo reflejaba a su manera en las obras de Thomas Cole, de Viollet-le-Duc, de Gustave Doré y en las de los pintores de la hermandad Prerrafaelita.

Las adaptaciones no se resignaron tan sólo a quedar relegadas al ámbito de las artes tradicionales. Cuando apareció una nueva forma de expresión a finales del siglo XIX, el cine, la literatura encontró otro medio favorable para manifestarse en imágenes; en este caso, en imágenes en movimiento. Ya el cine mudo adaptó obras clásicas de la literatura, como el "Drácula", de Bram Stoker, o "El Golem", de Gustav Meyrink. Incluso algunas de las diversas jornadas del Decamerón fueron adaptadas a la gran pantalla gracias al director italiano Pier Paolo Passolini. Y no sólo eso, sino que con el tiempo se realizarían también series de televisión.

Boccaccio: El Decamerón

El Decamerón es una recopilación de cuentos, escritos en italiano entre el 1349 y el 1351, divididos en diez jornadas con diez narraciones cada una de ellas, precedida de un prólogo dedicado a los amantes desgraciados y a las mujeres, y de una introducción en que se expone el argumento que sirve de enlace al centenar de relatos de que se compone la obra. El Decamerón empieza con una descripción de la Peste Negra que asoló Florencia en 1348. Este acontecimiento hace que siete damas y tres caballeros, huyendo de la epidemia, decidan retirarse al campo y, con la finalidad de distraerse, narren cuentos cada día. Estos cuentos, explicados por estos jóvenes, son los que recoge Boccaccio para formar su obra literaria más famosa.

El Decamerón está destinado, tal y como dice Boccaccio en el prólogo, al público femenino. El autor dice "ofrecer su libro a las mujeres, esas amables mujeres que, aunque sean apasionadas se ven obligadas a esconder las llamas de su amor y a seguir los gustos y los dictados de sus padres, madres, hermanos y maridos, encerradas en sus habitaciones, a menudo sumidas en la ociosidad y la melancolía". Y es que los temas que tratan los cuentos son casi todos profanos -predominando el del amor-, y basados en fuentes literarias más antiguas: en la obra se pueden rastrear influencias de los exempla, de los fabliaux, del roman francés y de los autores clásicos. La obra es un extraordinario testimonio de una época; una época que empezaba a cambiar, unas ciudades que empezaban a crecer, una nueva sociedad con una mentalidad diferente y una clase burguesa que, paralelamente, surgía con fuerza. Era el Renacimiento. Boccaccio se puede considerar un precursor de esta nueva época por el carácter humanista y antropocéntrico que se entrevé en su obra. Sus personajes son personas con defectos, alejados de los valores caballerescos y corteses de los relatos medievales; aparece gente vinculada a la ciudad, en este nuevo entorno comercial.

Boccaccio, con esta obra, acuñó el género de novella o cuento. No se debe confundir este término con el de novela o novela corta, pues no se trata de un relato continuo de más de cien páginas, sino que está formado por cuentos cortos, de muy poca extensión, con unas características propias.

John William Waterhouse
A Tale from the Decameron (1916)
[Lady Lever Art Gallery, Liverpool]

La historia de Nastagio degli Onesti

«Nastagio de los Onesti, amando a una de los Traversari, gasta su riqueza
sin ser correspondido; los suyos le piden que se vaya a Classis; allí ve a
un caballero que da caza a una joven, la mata y dos perros la devoran;
invita a sus parientes y a su amada a un almuerzo, y ella ve cómo los
perros descuartizan a esa misma joven y, temiendo que le suceda a ella
algo semejante, toma por marido a Nastagio»

La octava novella de la quinta jornada del Decamerón, narrada por Filomena, nos cuenta la historia de Nastagio degli Onesti, un joven rico y noble de Rávena que ha heredado una gran fortuna. Nastagio está enamorado de la hija de Paolo Traversari -de linaje más alto que el suyo-, pero ella no le corresponde a su amor. El joven, desesperado -incluso piensa en suicidarse-, empieza a gastar su herencia, hasta el punto de que sus amigos, viendo que puede perder todo lo que tiene, le aconsejan dejar Rávena e ir a Classe, un pueblecito de las afueras, para olvidarse de sus preocupaciones. Pero una vez allí, acompañado de sus amigos, continua gastando lo mismo que antes, abandonándose a su tormento. Un viernes de mayo por la mañana, caminando taciturno por un pinar, escucha los dolorosos gritos de una mujer que se aproxima corriendo, desnuda, pues está siendo perseguida por un colérico caballero que monta un caballo negro flanqueado por dos perros que intentan morderla. Nastagio, viendo esta extraña escena, intenta salvarla, pero el caballero, Guido degli Anastagi, extirpando el corazón y las entrañas de la mujer y lanzándolas a los perros, se lo prohíbe y le explica la razón de su conducta: hace tiempo requirió con devoción a aquella mujer, pero ella no le quería; apenado, se suicidó con su propia espada, yendo de esta manera al infierno. La mujer murió poco tiempo después y, como consecuencia de este rechazo, también fue al infierno. El castigo para estos pecados era el de tener que repetir, una y otra vez, esta escena de cacería y muerte que Nastagio acababa de presenciar.

Al escuchar este relato, Nastagio se dio cuenta de que podía aprovecharlo. Decidió convocar un banquete en ese mismo lugar del pinar de Classe, el viernes de la semana siguiente, confiando que se reproduciría la misma escena. Su amada y sus familiares asisten al banquete: todo se lleva a término como de costumbre, hasta que, en el momento de servir los postres, se produce la aparición. Tal y como había previsto Nastagio, la visión causa el terror entre los asistentes. El miedo que domina a la joven Traversari es tan grande que piensa que correrá la misma suerte. Por este motivo, para evitar el mismo destino que la mujer de la visión, la amada ofrece su amor a Nastagio.

20 sitios del País Cátaro

2011-06-21T14:00:00.006+02:00

Como en la entrada de Carcassonne ha surgido el tema de la región cátara, he decidido escanear un folleto informativo que cogí el otro día con información de veinte lugares de imprescindible visita de esta región. A mí me parece muy útil para organizar una posible visita por los alrededores de Carcassonne. Pinchad en los enlaces para ver las imágenes:

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Salida a Carcassonne

2011-06-18T21:07:00.003+02:00

Hace años que tenía muchas ganas de ir a Carcassonne. Recuerdo haber pasado horas buscando imágenes de la ciudadela medieval en internet, imaginándome el día en que yo también caminaría entre sus murallas. Y ese día, por fin, llegó el sábado de la semana pasada. Todo surgió de manera espontánea: últimamente las ganas de ir se habían acrecentado, porque había hecho un pequeñísimo curso de cultura occitana. Hablando un día con mis padres se presentó la ocasión: ¿cuándo iremos a ese lugar que tenemos pensado?, me preguntaron; y yo les contesté que prefería ir a Carcassonne. Y dicho y hecho, para mi sorpresa.

El viaje, desde aquí hasta la ciudadela medieval, es de tres horas. Así que salimos muy temprano de casa para llegar pronto. El camino no tenía pérdida, pues todo era autopista. Pasando la frontera y Perpignan, pudimos ver el magnífico castillo de Salses y los lagos que bordean la carretera, pertenecientes al parque natural de la Narbonnaise en Méditerranée. Llegamos a la cité médiévale de Carcassonne hacia las 10 de la mañana. A aquella hora aún no había la cantidad de gente y autobuses que llegaría más tarde, así que pudimos pasear bastante tranquilamente por la ciudad. Primero, visitamos el castillo -el único monumento que hay que pagar para entrar-, propiedad, en la Edad Media, de la familia Trencavel:

En los primeros años del siglo XII, el vizconde Bernard Trencavel comienza la construcción de una nueva residencia destinada a reemplazar su castillo primitivo, que la tradición histórica sitúa en el emplezamiento de las torres de la puerta narbonense. El castillo se organizó según una planta en U, alrededor de un patio. En el siglo XIII, el castillo es dotado de una nueva fortificación: los alojamientos ganan así una planta y se construye un nuevo edificio contra la pared sur del recinto. Las bases de piedra de una columnata a ras de suelo, así como un ventanal gótico asociado al piso a lo largo del siglo XIV, permiten apreciar la amplitud de una gran sala de recepciones y de unas habitaciones residenciales.

En el castillo, vimos un pequeño museo que acogía diversos objetos encontrados en la antigua ciudadela medieval -pequeñas estatuas, gárgolas, lápidas, sarcófagos, capiteles, etc.-. Por desgracia, las estancias ubicadas en la torre del homenaje -o donjon-, donde vivía el señor feudal, no eran visitables, por lo que sólo pudimos acceder a unas pocas situadas en un edificio adyacente. También recorrimos los corredores de las murallas, desde donde se nos ofrecía una preciosa vista de la actual Carcassonne.

Entrada a la ciudadela medieval

Entrada a la ciudadela medieval - Puerta Narbonnaise

Entrada al castillo / Patio central

El castillo - Patio central / Corredor de las murallas interiores

Vistas desde el castillo - Murallas exteriores / Carcassonne actual

Vistas desde el castillo

A continuación, nos dirigimos hacia la basílica de Saint Nazaire, ubicada también dentro de la ciudadela medieval. No obstante, antes de llegar, paseamos por las callejuelas, admirando las diversas tiendas de recuerdos y artesanía. En una de ellas, vi una magnífica reproducción de la Tabla Redonda del rey Arturo, cuya foto os adjunto.

Se supone que la primera iglesia fue construida en el siglo XV bajo el reino de Teodorico, rey de los visigodos. La primera acta auténtica que menciona esta iglesia data del 925. Sólo subsisten la nave y los laterales de la catedral romana, que contaba también con un claustro. El crucero y el coro gótico son erigidos en el antiguo lugar del coro romano a partir del 1269. Los trabajos góticos se concluyeron en el siglo XIV bajo los episcopados de Pierre de Rochefort y de Pierre Rodier. El edificio, restaurado en numerosas oportunidades, pierde su título de catedral en 1803, pues pasa a la iglesa de Saint Michel, situada en la Bastide de Saint Louis.

La iglesia, aunque pequeña, me pareció muy bonita. Dignos de admirar son las dos rosetas del crucero y sus vitrales: hay cinco en el coro que narran la vida de Cristo; y en la capilla de la Virgen uno consagrado al árbol de Jesé. Al salir continuamos nuestra visita por las murallas exteriores -recordad que la ciudadela medieval tiene doble muralla- y por las callejuelas. A la una ya estaban casi todos los restaurantes llenos: había una pequeña plaza preciosa invadida de gente comiendo, a pesar del viento que hacía. Nosotros, después de comprar algunos recuerdos, también nos fuimos a comer; eso sí, a comer los bocadillos que traíamos. Para terminar la explicación de la ciudadela medieval, os copio diversos fragmentos extraídos de los folletos turísticos, para que os hagáis una pequeña idea sobre su historia:

El emplazamiento, habitado desde la Antigüedad, estaba protegido en el Bajo Imperio por un recinto galorromano. Pero éste no impidió que los asaltantes visigodos, sarracenos y francos se apoderaran del lugar sucesivamente. En la Edad Media, la Cité estaba dominada por la poderosa dinastía de los Trencavel. La ciudad desempeñó un papel importante en el Midi francés en el siglo XII. La religión cátara se hizo muy influyente y, en 1208, el papa Inocencio III llamó a la cruzada contra los abigenses. Carcasona fue asediada y capituló. Anexionada al dominio real en 1226, la ciudad adquirió el aspecto de plaza fuerte que conserva en la actualidad.

Hasta la firma, en 1659, de la paz de los Pirineos, Carcasona protegía la frontera entre Francia y Aragón. Precisamente esta fecha, que marca la anexión del Rosellón a Francia, marcó el declive de la ciudad de Carcasona. A comienzos del siglo XIX, se notaron claros indicios de deterioramiento: había dificultades para asegurar el mantenimiento de las fortificaciones. Por ello, en 1844, se encargó al arquitecto Eugène Viollet-le-Duc la restauración de la ciudad, devolviéndole su aspecto medieval. Restauró la basílica de Saint-Nazaire, las puertas de entrada y despejó las murallas de los edificios parásitos: en total, se expropiaron y destruyeron 112 casas que ocupaban las lizas. También remató las torres con techos puntiagudos cubiertos de losas, la pizarra local.

La ciudadela medieval

La ciudadela medieval - Muralla exterior / Tabla Redonda

La basílica de Saint Nazaire

La ciudadela medieval - Plaza y vistas de la Carcassonne actual

Por la tarde, visitamos la Carcassonne actual, la zona conocida como La Bastide Saint-Louis. Es el centro administrativo y comercial, y fue construida en el siglo XIII. Aunque no es tan visitada como la ciudadela medieval, la bastida también tiene sus atractivos: edificios religiosos, casas aristocráticas y, sobre todo, el Canal du Midi. El canal es una vía navegable que une el Mediterráneo con Toulouse. Fue diseñado por el ingeniero Pierre-Paul Riquet y se abrió a la navegación en 1681. Al final, nos decidimos a subir en un barco turístico para hacer un recorrido -de casi dos horas- por el canal. Siempre me han gustado los canales franceses, no me preguntéis por qué; pero se me presentaba la oportunidad de recorrer uno, y no debía desaprovecharla.

Cuando se acabó el recorrido ya era bastante tarde, así que nos fuimos a buscar el coche. La visita había terminado, dejándome la sensación de haber pasado un extraordinario día.

La leyenda de la Dame Carcas
A partir del siglo XVI, la ciudadela pierde progresivamente sus atributos de poder en beneficio de la bastida, lo que explica la aparición de leyendas destinadas a rehabilitar su prestigio. Estas historias forman parte de un ciclo ligado a Carlomagno, siendo la más célebre de ellas la de la Dame Carcas. Se trataba de una sarracena que habría defendido la ciudad durante siete años frente al temible emperador. Cuando éste levantó el sitio, Dame Carcas le habría llamado, cosa que habría hecho decir a uno de los allegados a Carlomagno: "Sire, Carcas te sonne", y de ahí el nombre de la ciudad. El busto instalado en la puerta de entrada es una reproducción en piedra de la estatua original conservada en el museo lapidario de la ciudadela.

La ciudadela medieval

La Carcassonne actual

Canal du midi

Exposiciones temporales actuales (IV)

2011-06-15T13:46:00.003+02:00

Fundación Mapfre (Madrid)
Eugène Atget: el viejo París
27 de mayo - 27 de agosto de 2011

La Fundación Mapfre tiene el placer de presentar por primera vez en Madrid la obra del fotógrafo francés Eugène Atget (1857-1927), singular maestro, cuya aportación a la historia de la fotografía ha sido fundamental. Sus enigmáticas imágenes han inspirado y siguen inspirando a muchos artistas a lo largo del siglo XX. La muestra se compone de 9 secciones que pretenden seguir las agrupaciones temáticas organizadas por el propio Atget: pequeños oficios, tipos comercios parisinos, las calles de París, Ornamentos, Interiores, Los coches, Jardines, El Sena, Extramuros y Alrededores de París. Como un apéndice a esta selección, se presentan 43 fotografías del álbum de Man Ray, que contiene tipos y amientes parisinos fechados entre 1899 y 1926, seleccionados por él mismo. Con ello, se aprecia el inmediato interés que su obra despertó entre los surrealistas. Los primeros en reconocer su interés y talento fueron la fotógrafo Berenice Abbot y el propio Man Ray, quienes defendieron la conservación de su fotografía.

Museo Carmen Thyssen (Málaga)
La tradición moderna en la Colección Carmen Thyssen. Monet, Picasso, Matisse, Miró
14 de junio - 16 de octubre de 2011

La exposición La tradición moderna en la Colección Carmen Thyssen. Monet, Picasso, Matisse, Miró presenta una selección de las obras más contemporáneas de la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza. El recorrido está estructurado en torno al arte español realizado entre 1890 y 1960, aunque también figuran algunos ejemplos relevantes del arte internacional. El objetivo que se persigue con ello es establecer un diálogo entre las principales propuestas plásticas protagonizadas por artistas españoles y determinadas corrientes europeas y americanas que jugaron un papel fundamental en la configuración de la modernidad en nuestro país. Y todo ello gracias a la propia riqueza de los fondos de la Colección Carmen Thyssen.

Museu Picasso (Barcelona)
Devorar París. Picasso 1900-1907
1 de julio - 16 de octubre de 2011

Esta exposición, coproducida por el Museu Picasso con el Van Gogh Museum de Ámsterdam, presentará la evolución artística de Picasso desde su llegada en 1900 a París, donde descubrió una floreciente comunidad artística internacional, hasta 1907, cuando asumió el papel de líder de la vanguardia en la capital francesa. El primer contacto directo con las obras de los artistas que en aquel momento lideraban la escena artística en París fue una revelación para el pintor. Su reacción, que fue inmediata, se reflejó tanto en el descubrimiento de nuevas técnicas pictóricas y gráficas, como en la adopción de una temática nueva, basada en sus propias experiencias de la vida y el arte modernos. Esta muestra reunirá obras de Picasso realizadas en soportes diferentes, y obras de artistas como Cézanne, Toulouse-Lautrec, Bonnard, Rodin, Steinlen y Gauguin y, en particular, Van Gogh, entre otros - cuyo prestigio se encontraba en su cenit en el París de la época-, con la voluntad, no de compararlas entre sí, sino de dar una idea del estímulo visual que la vida y el arte parisinos representaron para Picasso durante la primera década del siglo XX.

Tate Liverpool
René Magritte: The Pleasure Principle
24 de junio - 16 de octubre de 2011

René Magritte (1898–1967) is one of the most revered and popular artists of the 20th century. This summer, Tate Liverpool presents René Magritte: The Pleasure Principle, the biggest exhibition of the Belgian surrealist’s work in England for twenty years. Renowned for witty images depicting everyday objects such as apples, bowler hats and pipes in unusual settings, Magritte’s art plays with the idea of reality and illusion. Tate Liverpool’s exhibition will reveal the inspiration behind the artist’s celebrated style, focusing on the less explored aspects of Magritte’s life and artistic practice.Paintings will feature alongside drawings, collages, examples of Magritte’s early commercial work and rarely seen photographs and films. The exhibition will include iconic pieces by the artist as well as some more surprising works, offering visitors a fresh insight into the intriguing world of Magritte.

Royal Academy of Arts (Londres)
Eyewitness: Hungarian Photography in the 20th Century
Brassaï, Capa, Kertész, Moholy-Nagy, Munkácsi
30 de junio - 2 de octubre de 2011

Brassaï, Robert Capa, André Kertész, László Moholy-Nagy and Martin Munkácsi each left Hungary to make their names in Germany, France and the USA, and are now known for the profound changes they brought about in photojournalism, as well as abstract, fashion and art photography. Others, such as Károly Escher, Rudolf Balogh and Jószef Pécsi remained in Hungary producing high-quality and innovatory photography. A display of approximately two hundred photographs ranging in date from c.1914–c.1989 will explore stylistic developments in photography and chart key historical events. These striking images will reveal the achievements of Hungarian photographers who left such an enduring legacy to international photography.

British Museum (Londres)
Treasures of Heaven: saints, relics and devotion in medieval Europe
23 de junio - 9 de octubre de 2011

This major exhibition brings together for the first time some of the finest sacred treasures of the medieval age. It features over 150 objects from more than 40 institutions including the Vatican, European church treasuries, museums from the USA and Europe and the British Museum’s own pre-eminent collection. It was during the medieval period that the use of relics in devotional practice first developed and became a central part of Christian worship. For many, the relics of Christ and the saints – objects associated with them, such as body parts or possessions – continue to provide a bridge between heaven and earth today. Relics were usually set into ornate containers of silver and gold known as reliquaries, opulently decorated by the finest craftsmen of the age. They had spiritual and symbolic value that reflected the importance of their sacred contents. The earliest items date from the late Roman period and trace the evolution of the cult of the saints from the 4th century to the peak of relic veneration in late medieval Europe.

National Gallery (Londres)
Forests, Rocks, Torrents: Norwegian and Swiss Landscapes from the Lunde Collection
22 de junio - 18 de septiembre de 2011

This landmark exhibition will display what is arguably one of the most complete collections of 19th-century Norwegian and Swiss landscape paintings outside their respective nations. The exhibition introduces a British audience, familiar with great artists of the tradition of Constable and Turner, to skilled and innovative practitioners of landscape who enjoyed great reputations elsewhere in Europe. The 45 works displayed demonstrate the similarities of the Norwegian and Swiss traditions, but also the differences that climate, character, national temperament and political regimes impose on art. Norway was engaged in a long struggle for freedom from Sweden and was poor, isolated and dependent for survival on its natural resources. Switzerland had been proudly independent for centuries and was prosperous, cosmopolitan and an early centre of industry. The exhibition includes works by Johan Christian Dahl, who, in a sense, invented Norwegian landscape painting, along with work by his student Thomas Fearnley. It also features work by Alexandre Calame, the father of the Swiss tradition. It aims to expand our understanding of the vital role national landscape painting played in European culture 150 years ago.

Guggenheim Bilbao
Abstracción pictórica, 1949-1969: Selecciones de las Colecciones Guggenheim
14 de junio de 2011 - 8 de enero de 2012

Tras el caos provocado por la Segunda Guerra Mundial y al amparo de la filosofía existencialista, los artistas europeos recurrieron a la hibridación y a la síntesis, en contra de los valores utópicos y experimentales que habían caracterizado a los artistas de generaciones anteriores. Para los artistas de la España de Franco y del Este de Europa, aún oprimidos por la tiranía política y estética, esas obras de arte fueron un símbolo de liberación política. El Arte Informal, o arte sin forma, abarca una gran variedad de prácticas abstractas y métodos pictóricos que emergieron en esa posguerra. Rechazando los últimos baluartes del humanismo clásico y sus principios artísticos más significativos, como la armonía tonal, el equilibrio y la composición integral, la pintura informal abogó por la libertad en la expresión artística. Este movimiento es conocido, en sus diversas manifestaciones, como Pintura Gestual, Abstracción Lírica, Arte Matérico y Tachismo (del francés tache, "mancha").Artistas como Alberto Burri en Italia, JeanDubuffet en Francia y Antoni Tàpies en España, utilizaron materiales distintos al óleo en sus lienzos, mientras que otros exploraron estrategias que consideraban más científicas, objetivas e interactivas por naturaleza, en particular las pinturas monocromas y el Arte Cinético, como demuestran las obras de Yves Klein, Piero Manzoni y Jean Tinguely.

Kunsthistorisches Museum (Viena)

Dürer - Cranach - Holbein

31 de mayo - 4 de septiembre de 2011

The exhibition “Dürer – Cranach – Holbein. The German Portrait around 1500” focuses on the artist’s view of man at the beginning of the Modern Era. Five hundred years on, the exhibition attempts to retrace the footsteps of Albrecht Dürer and his celebrated fellow artists, Lucas Cranach and Hans Holbein the Younger. Until now, early German portraiture has never been the focus of a major exhibition. Important artworks illustrate how at the turn of the 16th century man became the focus of artistic endeavors, turning artists into inventors and explorers of humanity. This unique presentation combines the extraordinary holdings of the Picture Gallery of the Kunsthistorisches Museum with artworks from our Kunstkammer and other in-house collections as well as with celebrated masterpieces from important international collections. Over 140 main works from the time of Albrecht Dürer invite visitors to enter into a fascinating dialogue with Early German art.

Belvedere (Viena)
Makart. Painter of the Senses
9 de junio - 9 de octubre de 2011

Like no other artist of the nineteenth century, Hans Makart influenced an era whose embodiment he became and which went down in the annals of history as the ‘Makart period’. The Belvedere devotes a comprehensive exhibition to this exceptional artist, which is being compiled in cooperation with the Wien Museum and is going to investigate the myth of Makart. Called to Vienna’s imperial court when still a young talent, the artist quickly climbed the ladder of success. His paintings were popular among the rising bourgeoisie and were eventually considered an indicator of social recognition and repute. Makart knew how to take advantage of the new possibilities of the emerging industrial age to market his works and use them for his own aesthetic language. His pictures and subjects became emblematic mirror images of his time and attracted attention both at home and abroad. Makart’s international recognition and appreciation, but also his painterly approach to colour, which relied on Delacroix, invite comparison with the international art of his period.

The Frick Collection (Nueva York)
Turkish Taste at the Court of Marie-Antoinette
8 de junio - 11 de septiembre de 2011

France has long been fascinated by the Ottoman Empire, and for hundreds of years the taste for turquerie was evident in French fashion, literature, theater and opera, painting, architecture, and interior decoration. Turquerie, a term that came into use in the early nineteenth century, referred to essentially anything produced in the West that evoked or imitated Turkish culture. It was during the late eighteenth century at the court of Marie-Antoinette that the Turkish style reached new heights, inspiring some of the period’s most original creations, namely boudoirs or cabinets decorated entirely in the Turkish manner. In 1776 and 1777, several operas and plays with Turkish themes were performed at the French court, increasing the nobility’s interest in Turkish style. Soon thereafter, three interiors à la turque were created for the comte d’Artois, Louis XVI’s younger brother, and Marie-Antoinette commissioned boudoirs turcs for her apartments at Versailles and Fontainebleau.

Van Gogh Museum (Amsterdam)
Van Gogh in Antwerp and Paris: New perspectives
22 de junio - 18 de septiembre de 2011

Vincent van Gogh resided in Antwerp and Paris from the end of 1885 to the beginning of 1888. The 93 paintings from that period in the Van Gogh Museum’s permanent collection have been extensively studied, yielding many new insights. For example, there are two small portraits that are identical in style, which appear to represent different men. Did Van Gogh depict himself and his brother Theo here? There is also news regarding Van Gogh’s experiments with materials and techniques in this particular period. For instance, he re-used more canvases than we previously knew. And with the information from an analysis of the pigments used, some works could be dated more precisely. Finally, Van Gogh’s artistic development in this period is traced. He arrived in Paris at the beginning of 1886 as a painter with an old-fashioned taste strongly determined by realism and left that city two years later as a genuine modernist. Thanks to this investigation, we now know fairly precisely how this intriguing process unfolded step by step, and the exhibition presents the most crucial moments along the way.

Lais, de María de Francia

2011-06-14T15:08:00.001+02:00

Ya está disponible, más pronto de lo que pensaba, mi nueva reseña en La Espada en la Tinta. Esta vez, se trata de unos cuentos breves escritos por María de Francia entre los siglos XII y XIII.

Muchas veces, cuando cae en nuestras manos un libro de literatura medieval, esperamos encontrar elementos fantásticos, maravillosos; relaciones amorosas de carácter cortés o un intenso enfrentamiento épico. Por suerte, el medioevo nos ha legado un buen número de obras de este tipo; narraciones y poemas que, mientras los leemos, nos hacen olvidar la desgraciada etiqueta de "siglos oscuros". Sin duda, este legado es un ejemplo del esplendoroso período de creatividad de la larga época medieval. Al menos, así lo pienso yo y muchos otros medievalistas.

Precisamente, los lais de María de Francia son una buena muestra de lo maravilloso en la literatura medieval. No obstante, antes de hablar sobre el contenido del libro, haría falta responder a la siguiente pregunta: ¿quién era María de Francia? María vivió, según podemos deducir, entre los siglos XII y XIII. Por desgracia, no conocemos prácticamente nada de su vida; ni tan sólo sabemos realmente quién era: algunos la han identificado con la condesa María de Champagne -mecenas de Chrétien de Troyes-, hija de Leonor de Aquitania y Enrique II Plantegenet; otros con María, abadesa de Shaftesbury o de Reading; algunos otros con Marie de Compiègne, mencionada en el Evangile aux femmes, o con Marie de Meulan, hija del conde normando Galeran de Meulan. Como veis, las interpretaciones son variadas. A pesar de ello, sí se sabe que escribió, a parte de los lais, fábulas, una Vie seinte Audree -santa anglosajona- y el Espurgatoire Saint Patrice -vida y hechos de este apóstol de Irlanda-.
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El último día de un condenado a muerte, de Victor Hugo

2011-06-09T10:00:00.004+02:00

Ya está disponible en La Espada en la Tinta mi última reseña. En esta ocasión, se trata del análisis de dos relatos de Victor Hugo, ambientados en la Francia del siglo XIX: "Claude Gueux" y "El último día de un condenado a muerte":

Victor Hugo fue un hombre comprometido políticamente. No sólo lo demuestran sus continuos ataques contra el gobierno de Luis Napoleón Bonaparte -que le llevaron a un exilio de casi treinta años-, sino también buena parte de su producción literaria. Principal escritor del Romanticismo francés, cultivó una gran variedad de temas y géneros: narrativa -"Han de Islandia", "Notre-Dame de París", o una de sus novelas más conocidas, "Los miserables"-, teatro -"Cromwell", cuyo prefacio constituye el manifiesto del Romanticismo; "Hernani", adaptada por el libretista Piave para la ópera de Verdi; "Lucrecia Borgia" o "Ruy Blas"-, poesía -"Odas y baladas" o "Las Orientales"-, discursos, sátiras, pequeños relatos y artículos. Muchos de ellos denunciaban la denigrante situación del proletariado francés, las desigualdades sociales, el mal funcionamiento de la justicia o la decadencia de las instituciones de gobierno. "Claude Gueux" y "El último día de un condenado a muerte" están plenamente impregnados de esa crítica social que tanto caracterizó la obra de Victor Hugo.
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Carreras de caballos en el Bois de Boulogne

2011-06-07T20:41:00.002+02:00

El Bois de Boulogne es un parque que se encuentra en el XVI arrondisement de París. A mediados del siglo XIX, este lugar era famoso por sus competiciones de caballos: en 1858 se había contruido el hipódromo de Longchamp sobre un antiguo emplazamiento de una abadía del siglo XII. Podéis imaginaros la atracción que ésto supuso entre las clases media-altas de la sociedad parisina. Además, aquí se celebraba una gran carrera internacional, el Grand Prix de París, la más importante de todo el año. Para esta ocasión, los asistentes llegaban con sus elegantes carruajes vestidos con sus mejores galas.

Os pongo unas pequeñas citas extraídas del libro "Los impresionistas se entretienen" -recomendabilísimo-, de Pamela Todd, que ilustran muy bien este acontecimiento:

Los parisinos del Segundo Imperio iban a las carreras como quien iba al teatro: los espectadores eran el espectáculo. Los extravagantes vestidos que lucían, los lujosos carruajes que los llevaban hasta allí, quién acompañaba a quién, todo era argumento y escenografía para la entusiasta muchedumbre que observaba desde los laterales de los Campos Elíseos, o desde las tribunas en las carreras. El drama lo proporcionaba la propia carrera, y desde la introducción den 1867 de un sistema organizado de apuestas mutuas, los espectadores de las carreras podían incrementar la tensión haciendo una apuesta.

Naturalmente, estas actividades tan modernas y excitantes atrajeron a los impresionistas. Manet y Degas eran habituales en las pistas de Longchamp, Auteuil, Chantilly y Versalles, y las emplearon como escenarios de sus cuadros, aunque Manet tendía a describir la gran emoción y velocidad de una carrera, mientras que Degas, con su ojo de novelista para el detalle, encuentra un drama sutil en el jinete caído, la salida nula o la tensión de los jockeys sobre sus monturas en la zona acordonada enfrente de la tribuna principal. La extraordinaria modernidad de Degas resulta especialmente evidente en estos cuadros que ofrecen una mirada a una sociedad que estaba sufriendo una profunda y rápida transformación.

Childe Hassam
En el Grand Prix de París (1887)

Childe Hassam
Día del Grand Prix (1887)

Manet
Las carreras en Longchamp (1864)

Manet
Carrera en el Bois de Boulogne (1864)

Degas
Salida nula (1872)