Analizar el papel de la pintura al aire libre como motor de la renovación plástica del siglo XIX es el objetivo principal de esta exposición. En general, tendemos a relacionar la pintura al aire libre con el impresionismo pero, cuando Monet, Renoir, Sisley o Pissarro empezaron a exponer sus obras en el estudio del fotógrafo Nadar, en 1874, la pintura en plein air llevaba ya casi un siglo de desarrollo. Los estudios al aire libre constituyeron, de hecho, parte fundamental de la formación del pintor de paisajes desde fines del siglo XVIII. Más tarde, convertida en eje del naturalismo, su potencialidad renovadora se extendió hasta finales del siglo XIX. La muestra reunirá alrededor de 100 obras en un arco cronológico que va desde 1780 hasta 1900, aproximadamente; desde los iniciadores del paisaje al aire libre, como Pierre-Henri de Valenciennes y Thomas Jones, a artistas como Turner, Constable, Corot, Rousseau, Courbet, Daubigny y todos los grandes maestros del impresionismo, hasta llegar al cambio de siglo con Van Gogh o Cézanne, entre otros muchos nombres imprescindibles.

El impresionismo tuvo su punto de partida en 1874 cuando un numeroso grupo de artistas desafió el Salón oficial de París con una muestra paralela de artista reunidos bajo el nombre de Sociedad Anónima de pintores, escultores y grabadores. El grupo de impresionistas se reunió hasta en ocho ocasiones para celebrar su nuevo arte. La última de estas citas, la exposición de 1886, es el punto de partida de esta nueva cita del público madrileño con el Museé d'Orsay. De esta prestigiosa pinacoteca provienen las 80 obras con las que la Fundación Mapfre nos invita a conocer la evolución del impresionismo y el postimpresionismo. En este trazado del arte de aquellos años la muestra hace paradas en los trabajos de Renoir en torno a las bañistas, el constructivismo de Cézanne, el retrato de los bajos fondos del genial Toulouse-Lautrec, la huida de Gauguin y sus amigos a Bretaña, la creación del grupo de los Nabis, con Serusier, Maurice Denis, Bonnard o Vallotton y la locura de Van Gogh en Arles. Todos ellos grandes momentos de la historia del arte que harán de esta muestra una de la más importantes de este año. (Información extraída de Fotoblog).

Stella Gibbons (1902-1989) fue una de las grandes novelistas inglesas del siglo XX. La mayoría la recordaréis por su obra más célebre y popular, «La hija de Robert Poste», una novela ingeniosa y divertida, ganadora del Premio Fémina en 1934 –uno de los grandes premios literarios franceses–. En ella parodiaba el pesimismo rural de su compatriota Thomas Hardy (1840-1928), el autor de «Tess, la de los D'Urbervilles» o «Los habitantes del bosque»; novelas con desenlaces desafortunados en las que el destino de sus protagonistas se veía truncado por las imposiciones sociales. Esas diferencias de clase, no obstante, aún se percibían claramente en las novelas de principios y mediados del siglo XX, aunque poseían un matiz diferente, no tan arraigado en la tradición. En «Westwood» también lo veremos: la desigualdad aparece como un trasfondo constante de los acontecimientos, indisoluble del período histórico en que se sitúa.

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• Penas del joven Werther, de J. W. Goethe: las trágicas desventuras de Werther inspiraron toda una moda juvenil: el modo de amar y de expresarse, trajes y complementos a imitación de los que llevaban los protagonistas, objetos de adorno e incluso perfumes supuestamente cautivadores; pero también llevó a algunos jóvenes al suicidio, desengañados por amores imposibles. Desde el momento de su publicación se convirtió en un superventas y en un clásico entre la juventud europea, tan ávida de rebeldía y libertad, provocando un gran escándalo al proclamar la supremacía de los sentimientos sobre la razón, así como de la pasión erótica idealizada sobre el sagrado vínculo matrimonial. Con esta obra, Goethe alcanzó en vida la inmortalidad del artista, del genio.

• La escuela romántica, de Heinrich Heine: es un texto combativo y de elevado tono polémico. Imbricado de forma inequívoca con la agitada situación política europea del primer tercio del siglo XIX, este libro escrito en una prosa moderna, directa y casi periodística, caracterizada por un estilo incisivo e impregnado de humor, supuso un acertado análisis de este movimiento por parte de quien se declaraba «su último poeta». Como primer moderno, sin embargo, y espoleado por su excepcional clarividencia, Heine adoptó asimismo en esta obra un lúcido posicionamiento en contra del mismo en cuanto corriente reaccionaria y conservadora, valedora del absolutismo, y en favor de una literatura y un arte comprometidos con el espíritu de su época. 

• La fortuna de los Rougon, de Émile Zola: situada en los revueltos tiempos que marcaron la efímera experiencia de la III República francesa, «La fortuna de los Rougon», primer volumen de la extensa serie conocida como «Los Rougon-Macquart», establece el origen de esta frondosa saga y narra el ascenso social de la rama de los Rougon a favor de los vendavales políticos y la instauración del imperio.

• Escritos sobre Manet, de Émile Zola: los escritos que Émile Zola dedica a la defensa pública del pintor Manet se extienden desde 1866 hasta 1884, constituyéndose en una atalaya privilegiada para apreciar en todos sus matices cómo el pintor va introduciéndose en «el mundo del arte» y cómo éste va transformándose a lo largo del siglo XIX.

• Antología poética, de Fernando Pessoa: nacido en Lisboa en 1888 y muerto en la misma ciudad en 1935, Fernando Pessoa es el mayor exponente de la poesía portuguesa contemporánea. La presente antología ha sido traducida y presentada por el poeta y profesor Ángel Crespo, cuyas versiones del italiano y del portugués han alcanzado gran reconocimiento. Su introducción ahonda en la increíble personalidad intelectual de Pessoa, y su selección de poemas ofrece lo mejor de este gran poeta.

• The Bon Marché. Bourgeois Culture and the Department Store, 1869-1920, de Michael B. Miller: Offering a comprehensive social history of the Bon Marche, the Parisian department store that was the largest in the world before 1914, this title explores the bourgeois identities, ambitions, and anxieties that the emporia so vividly dramatized

• Los trovadores, de Martín de Riquer: desde su aparición hace más de treinta años, «Los trovadores» se ha convertido en un libro de culto no sólo entre los especialistas en literatura medieval, también entre los amantes de la poesía y la cultura. La introducción al mundo de los trovadores, así como la presentación de los ciento veintidós seleccionados, nos adentran en un mundo medieval constituido por nobles, damas u obispos, entre otros. Al mismo tiempo, ofrece las herramientas culturales y lingüísticas necesarias para disfrutar de las trescientas sesenta y una composiciones recogidas.

• El conde de Montecristo, de Alexandre Dumas: es un clásico de enorme poder de sugestión, a través de la figura del hombre solitario que, luego de sobrevivir a la injusta condena y la miserable prisión, regresa para hacer justicia. Retrato de época, romántico, crítico y social, por un genio del siglo XIX.

• Londres, de Peter Ackroyd: a través de un sorprendente recorrido por su historia, que no rehuye los episodios más negros, los barrios más peligrosos ni los aspectos más sombríos y menos conocidos, el genial escritor londinense arroja luz sobre una ciudad caracterizada por la bruma. Una obra original, detalladamente documentada y escrita con auténtico y genuino talento que nos descubre rincones insólitos, narra jugosas anécdotas y reconstruye acontecimientos memorables.

El pintor Detaille comentó con ironía: «Esa estación grandiosa parece un palacio de las Bellas Artes, mientras que el palacio de Bellas Artes se asemeja a una estación. Le propongo a Laloux que intercambie la función de ambos edificios, ahora que todavía está a tiempo». Más de ochenta años después esa sugerencia irónica se llevó a la práctica, y desde 1986 la antigua estación de ferrocarril sirve de marco al Museo de Orsay, que ofrece una completa panorámica del arte francés de los años 1848-1914. El proyecto de reconversión permitía conservar una construcción emblemática del siglo XIX y, al mismo tiempo, dotar a las obras de arte de esa época de un marco metafórico: las ideas de progreso, movilidad y euforia renovadora implícitas en una estación de ferrocarril simbolizan la enorme capacidad de innovación de las tendencias artísticas del siglo XIX. Entre el academicismo oficial y las vanguardias se creó un caldo de cultivo muy favorable para la producción artística, que se tradujo en una gran riqueza de formas de expresión pictóricas, escultóricas, gráficas, fotográficas y de artes aplicadas. Una buena muestra de todo ello se puede admirar hoy en el Museo de Orsay. 

La Olympia de Edouard Manet, expuesta en el Salón de 1865, suscitó un escándalo enorme en la escena parisina del arte, similar al que había provocado el Almuerzo campestre dos años antes. Al comparar la obra de Manet con El nacimiento de Venus de Cabanel se entienden los motivos de la irritación del público de la época. Mientras que el cuadro de Cabanel es la quintaesencia del gusto artístico oficial del Segundo Imperio (el propio Napoleón III adquirió la obra en el Salón de 1863 como muestra de reconocimiento), Manet rompió con su Olympia todas las convenciones y dio un nuevo impulso a la pintura vanguardista de su tiempo.

Ambas obras tienen como tema a Venus, una diosa que había protagonizado multitud de pinturas desde el Renacimiento hasta entonces. Cabanel se inspiró en El triunfo de Galatea de Rafael (aprox. 1512). Manet, por el contrario, se decantó por el estilo de la Venus de Urbino de Tiziano (1538) y de La maja desnuda de Goya (1800). El artista había copiado la primera de esas obras durante su estancia en Italia en 1853. Los dos artistas se remiten a grandes creadores del pasado, pero cada uno de ellos refleja el mito del desnudo femenino de una forma muy distinta. La Venus de Cabanel yace sobre las olas del mar en un marco definido por pálidos tonos de rosa y azul. Esta representación discretamente erótica de la diosa se corresponde a la perfección con el ideal de belleza de la época. No es de extrañar, por tanto, que la Olympia de Manet, tan distinta y tan segura de sí misma, provocase una reacción airada entre los visitantes de la exposición. La joven que mira directamente al espectador no es la diosa del amor, sino una representante del amor mercenario. La doncella negra le muestra el hermoso ramo de flores que le ha enviado un cliente, pero Olympia aún no se ha decidido a recibirle. Manet escandalizó con esta obra a la hipócrita sociedad parisina de la época, capaz de admirar un desnudo femenino en una escena mitológica pero incapaz de aceptar la representación artística de la realidad. 

Los jugadores de naipes (1895)

Degas
La familia Bellelli (1860)