El pasado mes de abril fuimos a visitar el monasterio cisterciense de Santes Creus, situado en la comarca catalana de l'Alt Camp. Junto con los monasterios de Poblet y Vallbona de les Monges, constituye la Ruta del Císter, un recorrido artístico y cultural de gran interés. Santes Creus es el único monasterio de la ruta en el que no existe vida monástica y es uno de los conjuntos cistercienses mejor conservados.

La Orden del Císter tiene su origen en el año 1098, cuando Roberto de Molesmes fundó la abadía de Cîteaux, en la región de la Borgoña. Era una orden monástica reformada: promovía el retorno a la pureza de la regla benedictina. Por aquel entonces, los monasterios benedictinos, como Cluny, se habían corrompido por el exceso de lujo. Los cistercienses rechazaron el fausto y fomentaron la construcción de iglesias sin decoración, austeras. Los monjes, vestidos con túnica blanca y escapulario negro, siguieron la estricta observancia del ora et labora. De Cîteaux surgieron abadías filiales: La Ferté, Pontigny, Clairvaux y Morimond. Y de éstas, nacieron muchas más que se fueron expandiendo por el territorio. Santes Creus es hijo del monasterio francés de la Grand Selva, filial de Clairvaux. Fundado en el año 1168, obtuvo protección y patrocinio real: Pedro III de Aragón prefirió ser enterrado en su iglesia, en un rico mausoleo ubicado en el crucero, y también su hijo, el rey Jaume el Just y su esposa, Blanca de Anjou.

Santes Creus es un monasterio de visita imprescindible. Para conocerlo un poco mejor, acompañaré mis fotografías con la explicación proporcionada en el catálogo informativo. Si alguna vez venís de viaje por esta región, ¡no olvidéis visitarlo!

Fachada de la iglesia

Siglos XII-XIV

En la fachada se advierten tres etapas constructivas o momentos históricos: en primer lugar, la portalada y las ventanas laterales de arco de medio punto pertenecientes al románico; después, el ventanal gótico con vitrales de la nave central; y, finalmente, las almenas construidas cuando, hacia el año 1376, Pedro el Ceremonioso, ordenó la fortificación del monasterio. La portalada está decorada con arquivoltas y los capiteles están ornados con motivos zoológicos y vegetales. A ambos lados, unas columnillas molduradas y adosadas a la fachada se han interpretado como los restos de un posible nártex o pórtico destinado a cubrir la entrada en la iglesia.

Claustro

Siglo XIV

Su construcción se inició en el año 1313 bajo el patrocinio del rey Jaume el Just y de la reina Blanca de Anjou. La evolución de la obra se vio favorecida por la llegada, en el año 1331, del maestro de obras y escultor Reinard des Fonoll, que dirigió los trabajos de construcción durante unos años y participó en la realización de los motivos escultóricos de los capiteles. En 1341, el abad Francesc Miró (1335- 1347) dio la obra por finalizada y procedió a su bendición. El claustro es de estilo gótico, muy rico en decoración y, por lo tanto, se aleja de los preceptos de sencillez y austeridad propios de los monjes cistercienses. Las galerías están cubiertas con bóvedas de crucería y los ventanales de arcos ojivales se llenaron de magníficas tracerías. La descripción de las imágenes de los capiteles o la explicación de su simbolismo serían tarea demasiado larga y compleja; aún así, hay que valorar la calidad artística y la amplia variedad de los motivos representados: seres fantásticos o mitológicos, motivos zoomórficos, escenas bíblicas, elementos heráldicos y todo un abanico de personajes diversos. Fruto de los vínculos y los privilegios establecidos con amplios sectores de la nobleza catalana, el espacio se convirtió en una necrópolis nobiliaria. 

Sala capitular

Siglo XII

Aquí los monjes, que se sientan alrededor de la sala en los peldaños adosados a las paredes, se reúnen con el abad para la lectura diaria de un capítulo de la Regla de San Benito. Es una de las estancias monásticas más importantes y más logradas a nivel arquitectónico. Cuenta con una planta cuadrangular y una cubierta de bóvedas de arista. Los nervios de los arcos confluyen en cuatro columnas centrales de piedra que reproducen con fidelidad una palmera: la columna sería el tronco del árbol; y los nervios, sus hojas. Austeridad, sencillez y equilibrio son adjetivos adecuados para esta dependencia.

Claustro posterior

Siglos XIII-XVII

Su construcción aún plantea algunos interrogantes históricos y arquitectónicos. La planta es trapezoidal y está cerrada por una serie de arcos apuntados de factura arcaizante. Las aberturas en forma de ventanales o de grandes ojos de buey son testimonio de la existencia de un piso superior. El claustro cuenta con un patio ornado con un surtidor central y ocho altos cipreses. Este proyecto de ajardinamiento fue elaborado por el arquitecto Jeroni Martorell en época de la Mancomunitat. La combinación de elementos arquitectónicos y ambientales origina un espacio para el recogimiento y la reflexión y, a la vez, rezuma serenidad y quietud.

Palacio Real

Siglos XIII-XVI

La construcción se inició por iniciativa del rey Pedro III de Aragón  pero la finalización  de la edificación –fechada en el año 1310– y su enriquecimiento estuvieron a cargo de Jaume el Just y Blanca de Anjou. Finalmente, en la época de Pedro el Ceremonioso se inician una serie de intervenciones y ampliaciones, de la mano de algunos abades, con el objetivo de transformar la residencia en palacio abacial. Su estructura es la propia de los palacios de la época medieval pertenecientes al gótico civil catalán; es decir, un patio a cielo abierto, una escalera de acceso y una galería superior con las estancias articuladas a su alrededor. La galería presenta una serie de arcadas sostenidas por esbeltas columnas y en el techo aún se puede ver un artesonado decorado con policromía. La barandilla de piedra de la escalera tiene en los dos extremos decoración figurativa consistente en representaciones animales; y la columna de pórfido integrada en esta composición, una pieza exótica y lujosa, manifiesta el contraste entre la austeridad monacal y la exuberancia real.

Estancias primitivas

Siglos XII-XVII

Conjunto de restos constituidos por diferentes arcos de piedra y por testimonios en alzado de antiguas paredes que correspondían, probablemente, a las dependencias monásticas necesarias para establecer el asentamiento de los primeros monjes procedentes de Valldaura. Entre los restos se encuentra un monolito conmemorativo dedicado a fray Guillem Mestres, monje de Santes Creus nombrado, después de la exclaustración de 1835, vicario de la parroquia de Santa Llúcia. El fraile se convirtió en custodio y defensor de la integridad del monumento y se le recuerda como el primer restaurador del monasterio.

Capilla de la Trinidad

Siglo XII

Erigida para acoger las plegarias y los oficios religiosos durante los años iniciales de establecimiento en Santes Creus, con los siglos se convirtió en la capilla de la enfermería nueva. Es una iglesia de dimensiones reducidas, con una planta rectangular sin ábside y cubierta por una bóveda de cañón ligeramente apuntada. La abertura a levante y a poniente de las dos ventanas de arco de medio punto, así como la orientación del templo –de este a oeste– garantizan que la luz solar se aproveche al máximo. La capilla coincide con la tipología propia de muchas iglesias de finales del siglo XII. En la cabecera se colocó la talla de madera de un Santo Cristo Crucificado elaborada en el siglo XV.

Cabecera

Siglos XII-XIII

La iglesia mayor presenta una cabecera con una pared plana y un conjunto constituido, de forma sencilla, por un gran rosetón y tres ventanales alargados de arco de medio punto. Las aberturas aseguraban la iluminación interior del edificio y, al mismo tiempo, también tenían un simbolismo evidente relacionado con el misterio de la Santísima Trinidad: Dios, una sola naturaleza, representado por el rosetón; y la Trinidad –Padre, Hijo y Espíritu Santo–, por las tres ventanas. El rosetón, que ha sido fechado alrededor del año 1193, cuenta con dieciséis lóbulos y está cerrado por un ajedrezado. En 1992 la iglesia fue restaurada y conserva buena parte de sus vitrales originales, hoy considerados de los más antiguos del tipo cisterciense.

El cementerio será un reflejo de la austeridad, la humildad y la sencillez propias de la reforma monástica cisterciense, así como de la funcionalidad o del sentido económico de sus realizaciones. La muerte se entendía como un tránsito y un momento solemne para la comunidad. Cuando se producía una defunción, se desnudaba y lavaba al monje fallecido y se lo volvía a vestir con el hábito. Después de su traslado a la iglesia y de la vigilia, se oficiaban las exequias por su alma y, sin ataúd, se lo enterraba en el cementerio. En este espacio sólo ha perdurado el sentido o el espíritu original del Císter. Una gran cruz de piedra es el único símbolo necesario para acoger a todos.

Iglesia

Siglos XII-XIV

La iglesia abacial es de ábside truncado y reproduce fielmente el plano bernardino. Tiene una gran capilla central de planta cuadrangular y dos capillitas más pequeñas a cada lado. En su interior hay diversos retablos elaborados a lo largo del siglo XVIII. El más valorado artísticamente es el retablo mayor, obra de Josep Tramulles, esculpido y decorado entre 1647 y 1679. Este retablo barroco sustituye al anterior, de estilo gótico, trabajado por Lluís Borrassà. En los años iniciales, la cabecera estaba presidida por el espléndido rosetón, arriba de todo, y los tres ventanales debajo. El evidente simbolismo de la composición y de la luz a través de los vitrales bastaba para llenar la iglesia y el espíritu de la comunidad. En el rosetón y las ventanas de la zona norte de la nave transversal se conservan vitrales elaborados a principios del siglo XIII y considerados uno de los pocos conjuntos de vidrio cisterciense que se conservan en Europa.

Las obras de la iglesia mayor del monasterio se iniciaron en el año 1174, con el abad Pere de Santes Creus, y se la abrió al culto –consagrándola, como era habitual en el Císter, a la Virgen María– en 1211, bajo el abadiato de Bernat de Àger. En 1225 se habían erigido los tres primeros tramos; aún así, no se terminó definitivamente hasta el año 1411. La iglesia tiene planta de cruz latina con tres naves separadas por sólidos pilares que se encargan de soportar, con la ayuda de los gruesos muros del edificio, un techo de bóvedas de crucería y anchos arcos fajones ligeramente apuntados que se integran en los pilares de la nave central a través de una solución arquitectónica original y austera: una especie de rollos o ménsulas acanalados. La monumentalidad de la construcción contrasta con su falta de decoración escultórica. El gran ventanal gótico de la fachada, elaborado alrededor del año 1300 y con vitrales ricamente policromados, es la única licencia decorativa en la extraordinaria austeridad del templo.

El pasado 27 de mayo este blog cumplió siete años. ¡Se me olvidó completamente! Esto me pasa por no apuntarme las cosas. Así que, como es tradición, quiero hacer un pequeño comentario, o valoración, sobre el rumbo que ha ido tomando el blog durante todos estos años. Como siempre digo, ni me imaginaba que pudiera mantenerlo durante tanto tiempo. Es cierto que no actualizo tanto como me gustaría, pero sí que lo he hecho regularmente. Nunca lo he abandonado. Y eso es porque me he sentido, y continuo sintiéndome, a gusto con lo que hago. Siempre he considerado este espacio como un lugar en el que transmitir lo que voy aprendiendo por el camino. Es un lugar que evoluciona conmigo. Eso sí, siempre ha girado entorno a una misma temática: el arte (entendiendo como arte la pintura, la escultura, la arquitectura, el cine, la música, la literatura...). Y me he ido centrando, cada vez más, en la Edad Media y el siglo XIX, que es lo que realmente me gusta.

No soy demasiado buena haciendo discursos, como podéis ver. A veces me cuesta expresar en palabras lo que verdaderamente siento. Quizá sea por eso que siempre me retraso tanto en elaborar alguno de mis artículos o reseñas literarias (y, como consecuencia, tardo más en actualizar). Me lo pienso más de tres veces, busco sinónimos, releo contínuamente lo que he escrito... En fin, que sólo me queda dar las gracias a todos los que me habéis seguido desde el primer día, a los que os habéis incorporado con el paso del tiempo y a los que me habéis conocido hace poco. Espero que hayáis encontrado aquí un lugar agradable. ¡Muchas gracias!

Aprovecho para comentaros que podéis encontrarme en Twitter. Allí también comparto, entre otras cosas, las pinturas que me gustan, comento los libros que leo, o doy una pequeñísima opinión de las películas y series que voy viendo. Y esta vez, para terminar, os dejo con una pintura de Ramon Casas con la que me siento muy identificada:

Ya han pasado más de dos meses desde mi última recopilación de películas y series. En estos dos meses, no he visto tanto como me hubiera gustado; pero buena parte de lo que he visto, sobre todo de películas, me ha parecido extraordinario. Como siempre, las fichas las he extraído de IMDb y de Filmaffinity.

No puedo dejar pasar la oportunidad de comentar las tres películas que he puntuado con un 10. No suele ser habitual dar esa puntuación tan elevada, y menos en tres películas que vi de manera consecutiva. Imaginaos mi entusiasmo. Además, puedo decir, sin duda, que han pasado a formar parte de mi altar particular de cine de autor.

La primera es Cinema Paradiso, dirigida por Giuseppe Tornatore, una película que nos devuelve a la inocencia de nuestra infancia. Emotiva, tierna, nostálgica, delicada y apasionada. Un triunfo cinematográfico.

Las otras dos forman parte de un ciclo dirigido por Claude Berri basado en la novela de Marcel Pagnol, L'Eau des collines -un díptico que comprende Jean de Florette y Manon des sources-. Protagonizadas por Yves Montand, Gérard Depardieu, Daniel Auteuil y Emmanuelle Béart, se ambientan en la Provenza francesa, un lugar idílico en el que surgen las bajezas humanas: la envidia, el rencor, la venganza... Pero también el amor, la esperanza y la bondad. Impecable.

También me gustaría recomendar, para los interesados en la historia italiana de principios del siglo XX, Novecento, de Bernardo Bertolucci. Un clásico de larguísima duración, muy bien documentada e interpretada. 

Ya tenéis disponible, en La Espada en la Tinta, mi nueva reseña. He tardado un poco más de lo habitual en hacerla. Pero más vale tarde que nunca, como dicen. Esta vez, se trata de un libro de Thomas Hardy que publicó recientemente la editorial Impedimenta: Los habitantes del bosque, una novela magnífica que supuso mi reencuentro con el autor.

Los habitantes del bosque, publicada en 1887, es una novela indispensable de Thomas Hardy (1840-1928). Una obra maestra. El mismo autor la consideró su obra favorita. Y no es para menos: posee todos los ingredientes necesarios para entusiasmar tanto al lector habituado a las historias decimonónicas como a los que se adentran en ellas por primera vez. Es una novela magnífica, impecable y memorable, que apela a los sentidos más profundos del ser humano. Vamos a analizarla:

La narración se desarrolla en Little Hintock, una pequeña aldea de Wessex, rodeada de bosques esplendorosos y distanciada de la gran ciudad. Sus habitantes son gente rústica, campesinos dedicados al trabajo del campo y alejados de la intelectualidad que proporciona la universidad. Dos mundos distintos. Dos mundos separados. Bien lo sabe el señor Melbury, un próspero maderero de la zona que invirtió buena parte de su dinero en la educación de su hija Grace.
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Las pinturas de Canaletto parecen estampas turísticas. Siempre me ha fascinado su precisión pictórica, su pincelada tan detallista y minuciosa. Cada pintura de Canaletto es una obra maestra. En esta ocasión, os traigo algunas de las que realizó en Venecia. Unas pinturas que nos transportan a la ciudad de los canales. Su punto de vista nos introduce en sus calles. Paseamos por la Piazza de San Marco. Nos sentamos cerca de la basílica de Santa Maria della Salute. Nos relajamos en una góndola. Compartimos sus fiestas y tradiciones. Respiramos la Venecia del siglo XVIII.

Pintor veneciano, el más famoso pintor de vistas del siglo XVIII. Comenzó a trabajar realizando decorados teatrales (la profesión de su padre), pero se inclinó hacia la pintura durante una visita a Roma en 1719-1720, en que recibió la influencia de Giovanni Paolo Panini. Hacia 1723 pintaba efectistas y pintorescas vistas de Venecia, caracterizadas por fuertes contrastes de luz y sombra y por su libre ejecución. Mientras, en parte debido a la influencia de Luca Carlevaris, y en buena medida rivalizando con él, Canaletto comenzó a ejecutar vistas mucho más precisas topográficamente, de punto de vista más alto, y de ejecución más minuciosa y tersa, características que determinan la mayor parte de su producción posterior. Al mismo tiempo, fue cada vez más prolífica su producción de dibujos, tanto a lápiz com a tinta, y comenzó a pintar los temas de ceremonias y fiestas que finalmente formaron una parte importante de su obra.

Sus clientes fueron principalmente coleccionistas ingleses, para quienes realizó a menudo series de vistas de un mismo tamaño. Entre ellos, cabe destacar a Joseph Smith (1682-1770), comerciante inglés de Venecia que fue nombrado cónsul británico allí en 1744. Tal vez fue a instancias suyas como Canaletto amplió su repertorio en la década de los cuarenta, para incluir temas de la tierra firme veneciana y de Roma, y asimismo la producción de numerosos caprichos. También prestó atención creciente a las artes gráficas, realizando una destacable serie de aguafuertes, y muchos dibujos a pluma y a pluma y aguada, como obras independientes y no como preparación de pinturas. Esto le condujo a cambios en su estilo pictórico, agudizando una tendencia ya bien acusada hacia una ejecución estilizada y mecánica.

Utilizó con frecuencia la cámara oscura como recurso para componer. En 1746 fue a Inglaterra. Durante una temporada tuvo mucho éxito, realizando vistas de Londres y diversas viviendas rurales. Después, con la caída de la demanda, su pintura fue haciéndose progresivamente más amanerada y falta de vida, hasta el punto de que llegaron a propagarse rumores, probablemente difundidos por sus rivales, de que en realidad él no era el famoso Canaletto, sino un impostor. En 1755 regresó a Venecia, donde siguió pintando el resto de su vida. Canaletto ejerció una gran influencia en Italia y fuera de ella. Su sobrino Bernardo Bellotto llevó su estilo a Europa central, y entre sus seguidores ingleses están William Marlow y Samuel Scott.

Bacino di San Marco on Ascension Day (1739) 

[Museu Nacional d'Art de Catalunya]

Bacino di San Marco on Ascension Day (1734) 

[Collection of Her Majesty the Queen]

 Regatta on the Grand Canal (1734) 

[Collection of Her Majesty the Queen]

 El Gran Canal, desde San Vio, Venecia (1724)

[Museo Thyssen, Madrid]

 Entrance to Grand Canal and Santa Maria della Salute (1743) 

[National Gallery, Washington]

 La plaza de San Marcos en Venecia (1724) 

[Museo Thyssen, Madrid]

 Piazza San Marco and the Piazetta, South East (1743) 

[National Gallery, Washington]

 Piazza San Marco, South and West (1731) 

[Wadswoth Atheneum Museum, Hartford]

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